24 sept. 2007

Nunca me pidas que deje de beber

'Leaving Las Vegas'



AÑO: 1995
DURACIÓN: 112 min.
DIRECTOR: Mike Figgis
GUIÓN: Mike Figgis (novela: John O'Brien)
BANDA SONORA: Mike Figgis
FOTOGRAFÍA: Declan Quinn
MONTAJE: John Smith
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Nicolas Cage, Elisabeth Shue, Julian Sands, Richard Lewis, Steven Weber, Valeria Golino, Laurie Metcalf, Vincent Ward, Danny Huston, Bob Rafelson, Marc Coppola, Carey Lowell, R. Lee Ermey




Retratar trastornos o adicciones es un modo muy sencillo y manido de impactar a una audiencia, sobre todo si dichos problemas parten de situaciones comunes a casi todos. El alcoholismo es especialmente adecuado para ello, ya que todo el mundo ha probado alguna vez el alcohol, y raro es el que no se ha tomado algunas copas de más y en otra ocasión ha tenido que ayudar a un amigo que hizo lo propio. Es decir, conocemos ambos roles: víctima (no siempre llega a tal extremo, pero en esta película sí) del alcohol y víctima del alcohólico. La moralina estaba servida, sólo había que llevar situaciones hasta el extremo y remarcar los efectos nocivos del alcohol hasta la saciedad. Pero John O'Brien no siguió esa tendencia en su novela, y decidió relatar el hundimiento de un guionista que le lleva a conocer al gran amor de su vida, siendo el alcohol un personaje más en la historia, y no el villano propiamente dicho. Mike Figgis al adaptarla se decantó por enfatizar el aspecto romántico y de vacío existencial, mostrando la adicción como un factor negativo, pero que surge de otros incluso peores. Es decir, nos encontramos ante un romance entre dos seres que se encuentran perdidos y solos en el mundo: un alcohólico que se derrumba, Ben Sanderson, y una prostituta desamparada, Sera.

El encuentro entre Ben y Sera resultará casual y propiciado por los excesos con los que él pretende autodestruirseBen, interpretado estupendamente por Nicolas Cage en un papel perfecto para su habitual tendencia al exceso, pierde su trabajo como guionista y sus amigos por culpa de su adicción a la bebida. ¿Y por qué se da a la bebida? Bueno, ni él recuerda qué vino antes, si el alcoholismo o su divorcio, pero lo que está claro es que algo no debía de ir bien en su vacua vida. Por eso decide ponerle fin a través de las bebidas destiladas aprovechando sus últimos días para vivir al límite en la ciudad del vicio por antonomasia: Las Vegas. En cuanto llega al motel llena su despensa con alcohol, bebe un buen trago para no ser afectado por el síndrome de abstinencia (los temblores y sudores son habituales en él) y se lanza a la ciudad del juego. Poco después conocerá a Sera, a la que da vida Elisabeth Shue, una hermosa prostituta a la que llevará a su habitación para tener una noche loca de sexo y alcohol, pero finalmente lo que habrá es una sencilla noche de compañía y charla en la cama, eso sí, con algo de bebida. Al día siguiente Sera buscará a Ben para simplemente hablar con él de nuevo, ya que parece ser la única alma en pena con la que se siente a gusto en una ciudad tan poblada pero a la vez solitaria como Las Vegas. Ambos no tardarán mucho en darse cuenta del gran amor que se profesan.

Ben intentará compaginar su destructiva adicción al alcohol con su pasión por Sera, pero esa ausencia de compromiso lo hará imposibleEl gran acierto de este film es, como ya dije, plantearlo como un romance entre dos seres marginados, perdidos e incomprendidos, y no convertirlo en un simple panfleto anti-alcohol. El alcoholismo es mostrado del modo más crudo y realista, sin duda, pero Mike Figgis no pretende darnos una lección sobre sus consecuencias. No busca educarnos, simplemente nos muestra a este personaje, Ben, con un gran vacío existencial que le lleva a elegir su propia muerte, suavizando la dura etapa que está pasando a través de la adicción. La película tampoco intenta ocultar algo evidente: su relación está condenada al fracaso y la tragedia. Aunque se amen de un modo incondicional, Ben no está dispuesto a dejar el alcohol a estas alturas, y no por la simple adicción y el temor al síndrome de abstinencia, sino porque se sigue sintiendo totalmente perdido en este mundo a pesar de que haya encontrado a su gran amor. Por ese motivo está claro que no podrán compartir una feliz vida en pareja. Además, las declaraciones de Sera hacia la cámara hablando sobre Ben que se suceden a lo largo del film como modo de otorgar cohesión a los distintos fragmentos son una evidente prueba de ello (no realizaría declaraciones si no hubiera ocurrido algo grave en torno a él). Su muerte es presentida desde el primer momento, y no sólo por esos motivos, sino también por la estética conferida por Mike Figgis. Todos los ambientes mostrados están muy degradados, y, cuando no es así, es el propio Ben el encargado de hacerlo con su simple presencia. Botellas vacías por todos lados, basura acumulándose por las esquinas, un entorno especialmente oscuro y violento... Todo nos hace presagiar que las cosas no van a acabar bien para Ben y Sera.

El amor de su vida aparece cuando ya todo está perdido para él, y no es suficiente para reflotarloAunque esta película es recordada sobre todo por las continuas ingestas de alcohol por parte de Ben, lo cierto es que no trata sobre el alcoholismo, sino sobre la soledad, pérdida de identidad, vacío existencial, sensación de sentirse perdido y desamparo. En resumen, no profundiza en la adicción, ni pretende darnos lecciones sobre ella, lo hace en aquellas sensaciones que nos pueden llevar a entregarnos a ella, ya sea el alcohol, el juego, las drogas, el sexo, etc. Ése es el gran acierto del film, haber creado una película descriptiva sobre unos personajes marginados que se aceptan tal y como son para disfrutar de su compañía, aún sabiendo que su relación está destinada al fracaso precisamente por no pedirse el uno al otro que cambien. Y el motivo que los unió, el alcohol, será también el final de su felicidad compartida.

19 sept. 2007

Delirios oceanográficos

'The Life Aquatic with Steve Zissou'



AÑO: 2004
DURACIÓN: 118 min.
DIRECTOR: Wes Anderson
GUIÓN: Wes Anderson, Noah Baumbach
BANDA SONORA: Mark Mothersbaugh
FOTOGRAFÍA: Robert D. Yeoman
MONTAJE: Jamie Mitchell, David Moritz
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Bill Murray, Owen Wilson, Cate Blanchett, Anjelica Huston, Willem Dafoe, Jeff Goldblum, Michael Gambon, Noah Taylor, Bud Cort, Seu Jorge, Robyn Cohen, Seymour Cassel




La comedia es un género que está atravesando un momento muy flojo en EE.UU., y para darnos cuenta de ello sólo tenemos que mirar la cartelera. Prácticamente todas las películas de ese género son, o bien de tendencia romántica, o de estilo escatológico. Es una inmensa pena que la comedia inteligente haya quedado casi en desuso, con Woody Allen como uno de sus últimos representantes. Atrás quedaron los tiempos de genios como Billy Wilder o Charles Chaplin. Pero parece haber una esperanza, un nombre en el que Martin Scorsese confía profundamente. De hecho, ya lo ha calificado como su sucesor. Su nombre es Wes Anderson. Nos encontramos ante un peculiar cineasta, con un universo muy personal en el que se mueven unos personajes con problemas personales y familiares que suelen provenir del pasado. Y 'The Life Aquatic with Steve Zissou' es, por el momento, la más extrema expresión de su genialidad.

El ilustre reparto de esta película incluye a Bill Murray, Cate Blanchett, Anjelica Huston, Michael Gambon, Willem Dafoe, Jeff Goldblum, Bud Cort y Noah Taylor (y a Owen Wilson, ausente en esta imagen)

La gente lleva admirando durante años los documentales del conocido oceanógrafo Steve Zissou, pero algo ocurre últimamente: sus películas ya no son tan buenas. En su última expedición se cruzaron con un espécimen desconocido al que bautizó como Tiburón Jaguar. Por desgracia, su amigo y compañero de viajes Sebastian fue devorado por él, motivo por el cual Zissou está decidido a perseguir al Tiburón Jaguar (“o lo que sea”) y aniquilarlo. Pero en el viaje tendrá una serie de compañeros poco habituales: Ned Plimpton, un joven que asegura ser hijo suyo fruto de una vieja relación; Jane Winslett-Richardson, reportera en busca de un buen artículo, y embarazada de un hombre casado que no parece querer dejar a su esposa; y Bill Ubell, un representante del banco que realizó el préstamo necesario para la expedición. Los conflictos personales se sucederán en el barco, sobre todo en lo referente a que la tripulación habitual acepte a Ned Plimpton como uno más, o incluso como la nueva mano derecha de Zissou, mientras éste intenta mentalizarse con el hecho de ser padre, algo que nunca había deseado.

'The Life Aquatic with Steve Zissou' acontece en un universo todavía más personal y extravagante que cualquiera de los films anteriores de Anderson. Los colores vívidos y un especial cuidado con la disposición de los personajes y objetos en pantalla vuelven a ser sus señas de identidad, junto a una estupenda selección de los temas musicales. En este caso escucharemos canciones de David Bowie, por lo general adaptadas al portugués, ya que son cantadas por un miembro brasileño de la tripulación del Belafonte, el barco de Zissou. Este barco es el protagonista de una de las escenas más elaboradas del film, cuando se nos muestra su interior gracias a un decorado que imita al barco con un corte longitudinal. Una casa de muñecas a tamaño real, lo que permite a Anderson mostrar diversas estancias del barco simultáneamente, realizar un sencillo recorrido por todas ellas o seguir a un personaje en su camino por el interior del Belafonte. Los planos cortos, como es habitual en él, son utilizados sólo en las conversaciones, mientras que el resto del film se sustenta en largos y panorámicas, con algunos medios. Está claro que le interesa profundamente mostrar ese universo tan personal en su máximo esplendor, con todos sus colores y decoraciones. Las criaturas marinas resultan muy atractivas ya que, aunque algunos crean que fueron realizadas por ordenador, el encargado de su creación fuen Henry Selick ('The Nightmare Before Christmas') mediante la técnica del stop-motion, dotándolas de un toque entre artesanal y retro. Pese a ello, se hubieran agradecido un par de imágenes más por segundo para lograr una animación más fluida.


Steve y Ned mostrarán gran interés por lograr el afecto de la guapa Jane, pero sus acercamientos a ella serán muy diferentesDe su extenso reparto cabe destacar a un pletórico Bill Murray, con una capacidad envidiable de autoparodia. En diversas escenas lucirá su pecho y barriga, demostrando que no se encuentra precisamente en una excelente forma física. La naturalidad del actor para contar chistes y lanzar indirectas es otro de los factores que facilitarán la risa del espectador. Y si hay alguien que sabe hacer de Owen Wilson un actor interesante, ése es Wes Anderson. El por lo general mediocre intérprete realiza un trabajo reseñable, alejándose aquí de sus habituales personajes de tipo gracioso para encarnar con gran credibilidad a un joven inocente, bondadoso y con grandes ganas de vivir. No es fácil incitar a la risa con un personaje de este tipo, pero Owen lo logra numerosas veces. Jeff Goldblum sabe dotar al oponente de Zissou, Hennessey, de un aire muy refinado, casi relamido, y le queda como anillo al dedo. No hablaré más sobre el resto del reparto, recalcando sólo que no existe queja alguna sobre el trabajo de ninguno.

Aunque no gocen de la preparación debida, el equipo Zissou se desenvuelve bastante bien bajo el agua rodando sus documentalesWes Anderson es un joven cineasta muy prometedor en el que mucha gente (incluído yo) tiene depositadas grandes esperanzas. Pero, al ser un cineasta tan particular, ocurre lo habitual: si no eres capaza de meterte en su universo, de adaptarte a él, ninguna de sus obras te gustará. Por ello es evidente que si no te gustaron 'Rushmore' o 'Royal Tenenbaums', ésta te gustará aún menos. Probablemente te parezcan delirios sin sentido alguno, con una estética de colorido recargado. Pero si disfrutaste con sus anteriores obras, entonces gozarás con esta deliciosa comedia, llena de excelentes diálogos, personajes por descubrir y extrañas criaturas marinas, un homenaje en toda regla al mítico Jacques Cousteau. Wes Anderson y su pupilo Noah Baumbach ('The Squid an the Whale'), ambos autores de este guión, prometen, y mucho. No les quitaremos el ojo de encima, os lo aseguro.

17 sept. 2007

Trabajad, trabajad, malditos

'Glengarry Glen Ross'



AÑO: 1992
DURACIÓN: 120 min.
DIRECTOR: James Foley
GUIÓN: David Mamet (obra de teatro: David Mamet)
BANDA SONORA: James Newton Howard
FOTOGRAFÍA: Juan Ruiz-Anchía
MONTAJE: Howard E. Smith
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Al Pacino, Ed Harris, Jack Lemmon, Alec Baldwin, Jonathan Pryce, Alan Arkin, Kevin Spacey, Bruce Altman, Jude Ciccolella




Una de las cosas que más temo en este mundo es el momento en el que me incorpore a mi puesto de trabajo (espero tener alguno algún día). Pero no lo digo por la tarea que tenga que realizar, el horario que me toque o el sueldo que perciba. No, lo digo por el ambiente de trabajo en el que tenga que convivir. Si para algo no soy bueno yo, es para competir con mis compañeros, y hoy en día eso es lo que impera en cualquier trabajo que tenga lugar con varios empleados y una jerarquía.

Shelley Levene está pasando una penosa racha laboral, y, aún encima, su hija se encuentra ingresada en el hospitalShelley Levene, Ricky Roma, George Aaronow y Dave Moss son los cuatro vendedores de la sucursal que “Mitch & Murray” tiene en Chicago. Su empleo, vender parcelas de diferentes terrenos embaucando a la gente con diversas mentiras y artimañas. Pero la cosa no les va especialmente bien este mes, durante el cual no han vendido casi nada, a excepción de Roma. Con ese motivo su empresa les envía a Blake, que les dará un agresivo, degradante e insultante discurso sobre sus puestos de trabajo. Resultado: todos van a ser despedidos, pero tienen un mes para recuperar sus empleos. El que más dinero consiga recibirá un Cadillac, y el segundo un juego de cuchillos. Los otros dos se irán a la calle. Además, les lleva una serie de nuevos ganchos, gente a la que timar, las fichas de Glengarry. Pero sólo el que más venda, que en ese momento es Ricky, tendrá acceso a ellas. De este modo empieza la lucha por la supervivencia, supervisada por su jefe inmediato, Williamson.

Blake será el encargado de intentar poner en cintura a este hatajo de fracasados que conducen un Hyundai en vez de un BMWEn ese mundo típicamente masculino (no hay una sola mujer con un papel importante) es donde acontece toda la historia. Engaños, robos, mentiras, todo cabe en un día de trabajo. La crítica al entorno laboral actual resulta muy creíble y acertada. Más que un trabajo es una competición, con premios y carreras para ver quién es el mejor. Puede ser el veterano y fracasado Levene, el irascible Moss, el derrotista Aaronow o el embaucador Roma. A su jefe, Williamson, sus empleados le importan bien poco, y sólo le interesa que “Mitch & Murray” le pague a fin de mes. La ética o el compañerismo no tienen cabida para él en ese trabajo, y con el tiempo acabarán desapareciendo para los demás en ese entorno tan hostil. Cualquiera puede hacerse pasar por el mejor amigo de otro para simplemente engañarlo y subir puestos en la clasificación. Tanto con un cliente, como hará Roma, como con sus compañeros, en lo que destaca especialmente Moss, el más egoísta de los cuatro. Aparte del entorno laboral podemos apreciar una crítica al universo masculino, siempre pendiente de competir y estar por encima de los demás. Está claro que, entre mujeres, la cosa hubiese sido muy diferente.

Nos encontramos claramente ante una película de actores, de ésas por las que se pelean y rebajan su habitual sueldo. Por ese motivo todos los intérpretes están magníficos, desde el habitualmente sobreactuado Kevin Spacey hasta Ed Harris, pasando por Alan Arkin o Jonathan Pryce. Pero, si hay alguien que brilla con luz propia, ése es Jack Lemmon. Levene se nos muestra de un modo impecable por parte del veterano actor como un tipo fracasado y frustrado que disimula todos esos sentimientos para poder llevar a cabo su trabajo como vendedor. Al Pacino tampoco se le queda atrás como el engatusador de Ricky Roma, dejando de lado sus habituales tics adquiridos desde los 80. Por desgracia, no puedo alabar del mismo modo al mediocre Alec Baldwin, pero su aparición es suficientemente breve como para no destrozar el conjunto.


Ricky Roma, el exitoso hombre de negocios al que no le importa contar todo tipo de mentiras, muchas de índole personal, con tal de conseguir que su cliente firmePor desgracia la película se sustenta totalmente en esos dos aspectos: guión e intérpretes. James Foley no añade nada destacable a la película, ni una visión personal ni ningún aspecto técnico reseñable. Fotografía, banda sonora, montaje, planificación... todo es correcto y funcional, pero nada más. Al menos ha logrado junto a David Mamet que la adaptación de la obra no parezca simplemente una obra de teatro interpretada en un decorado de cine.

Todos hemos sufrido alguna vez esas lacras de la sociedad actual. La competición continua, la falta de escrúpulos para triunfar en el trabajo, la degradación por parte de los superiores a los cuales poco les importan sus empleados, etc. Incluso en el colegio vi situaciones parecidas: premios a los mejores compañeros, listas de chicas más guapas... Esas características ya no son solamente aplicables al mundo laboral masculino, sino que se extienden a otros como el infantil o el femenino, y la cosa no parece tener límite. David Mamet tiene razón. En estos momentos todo tipo de despropósitos caben en un día trabajo.

16 sept. 2007

La nueva temporada (2ª parte)

No tenía previsto hacer una segunda parte de ese texto, pero como hubo alguien que se quejó de que faltaban algunas pelis importantes (tranquila, Anikaa, que no voy a apuntar a nadie :P), aquí os pongo otro grupo de films que, aunque a mí no me atraen especialmente por el momento, tienen depositadas las esperanzas de mucha gente:



'Hairspray'


Director: Adam Shankman
Guionista: Leslie Dixon
Banda sonora: Marc Shaiman
Fotografía: Bojan Bazelli
Montaje: Michael Tronick
Principales intérpretes: John Travolta, Nikki Blonsky, Michelle Pfeiffer, Christopher Walken, Zac Efron, Queen Latifah, Amanda Bynes, James Marsden, Allison Janney





El musical de culto de John Waters es el origen de este remake en el cual se nos cuenta la historia de Tracy Turnblad, una chica grande, con un gran peinado y un corazón aún mayor, tiene solamente una pasión: bailar. Su sueño es aparecer en "El Show de Corny Collins", el programa de baile televisado más codiciado de Baltimore. Tracy parece perfecta para el programa, a no ser por un problema no tan pequeño: no cabe. Su figura generosa siempre la ha apartado de los grupos a la moda, cosa que le recuerda continuamente su amante pero excesivamente sobre protectora madre y de generosa figura, Edna. Esto no detiene a Tracy porque si existe alguna una cosa que esta gran chica sabe, es que ella nació para bailar.

Estreno en EE.UU.: 20 de julio
Estreno en España: 14 de septiembre
Estreno en Argentina: 9 de agosto



'Rescue Dawn'


Director: Werner Herzog
Guionista: Werner Herzog
Banda sonora: Klaus Badelt
Fotografía: Peter Zeitlinger
Montaje: Joe Bini
Principales intérpretes: Christian Bale, Steve Zahn, Jeremy Davies, Pat Healy, Evan Jones





Durante una misión en plena Guerra de Vietnam, un piloto norteamericano tratará de sobrevivir tras ser derribado su avión sobre Laos. Esta premisa le sirve a Werner Herzog para volver al cine de ficción tras la magnífica 'Grizzly Man'.

Estreno en EE.UU.: 27 de julio
Estreno en España: sin determinar
Estreno en Argentina: sin determinar



'In the Valley of Elah'
('En el valle de Elah')


Director: Paul Haggis
Guionista: Paul Haggis y Mark Boal
Banda sonora: Mark Isham
Fotografía: Roger Deakins
Montaje: Jo Francis
Principales intérpretes: Tommy Lee Jones, Charlize Theron, Susan Sarandon, Jason Patric, James Franco, Josh Brolin, Frances Fisher





Campanazo con 'Crash', y ahora intenta repetir el éxito con esta historia sobre Hank, un veterano de guerra americano que debe investigar la desaparición de su hijo Mike, soldado destinado en Irak que misteriosamente se ausenta sin permiso de su base. Con la ayuda de la detective Sanders y de su mujer, irá reviviendo las experiencias del muchacho en Irak. Lo que descubre le hará incluso cuestionarse su propia carrera militar.

Estreno en EE.UU.: 14 de septiembre
Estreno en España: sin determinar
Estreno en Argentina: 15 de noviembre



'The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford'
('El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford')


Director: Andrew Dominik
Guionista: Andrew Dominik
Banda sonora: Nick Cave y Warren Ellis
Fotografía: Roger Deakins
Montaje: Curtiss Clayton y Dylan Tichenor
Principales intérpretes: Brad Pitt, Casey Affleck, Zooey Deschanel, Sam Shepard, Mary-Louise Parker, Ted Levine




La historia de Jesse James, la más filmada en la historia del cine estadounidense, vuelve a la gran pantalla con un western de un estilo poco usual en el género y que promete ofrecernos una fotografía de primerísima calidad obra del reputado Roger Deakins. Brad Pitt obtuvo la Copa Volpi al mejor actor en Venecia por este trabajo.

Estreno en EE.UU.: 21 de septiembre
Estreno en España: 31 de octubre
Estreno en Argentina: 1 de noviembre



'Michael Clayton'


Director: Tony Gilroy
Guionista: Tony Gilroy
Banda sonora: James Newton Howard
Fotografía: Robert Elswit
Montaje: John Gilroy
Principales intérpretes: George Clooney, Tilda Swinton, Tom Wilkinson, Sydney Pollack





El género judicial vuelve a las pantallas con la eterna historia de David y Goliath. Michael Clayton trabaja para un famoso bufete de Nueva York, aunque no ejerce de abogado. Su especialidad es arreglar las cosas de la manera más limpia y rápida posible, y se ha pasado toda su carrera limpiando los trapos sucios de sus importantes clientes. No es ni policía ni abogado, sino la perfecta mezcla de ambos: el perro guardián, el compañero fiel que siempre obedece y nunca pregunta.

Estreno en EE.UU.: 5 de octubre
Estreno en España: 16 de noviembre
Estreno en Argentina: 11 de octubre



'American Gangster'


Director: Ridley Scott
Guionista: Steve Zaillian
Banda sonora: Marc Streitenfeld
Fotografía: Harris Savides
Montaje: Pietro Scalia
Principales intérpretes: Russell Crowe, Denzel Washington, Chiwetel Ejiofor, Josh Brolin, Cuba Gooding, Jr., Carla Gugino, Ted Levine




Scott vuelve a las andadas tras una serie de fracasos, esta vez contándonos la historia de un traficante de drogas recién salido de la cárcel que decide introducir heroína en el barrio de Harlem de los 70 usando un método muy particular para introducir la droga en los Estados Unidos: poniendo la heroína dentro de los ataúdes de los soldados muertos que venían de Vietnam. Un honesto detective de la policía de Nueva York será el encargado de investigar el caso.

Estreno en EE.UU.: 2 de noviembre
Estreno en España: 28 de diciembre
Estreno en Argentina: 10 de enero



'Lions for Lambs'
('Leones por corderos')


Director: Robert Redford
Guionista: Matthew Michael Carnahan
Banda sonora: Mark Isham
Fotografía: Philippe Rousselot
Montaje: Joe Hutshing
Principales intérpretes: Robert Redford, Tom Cruise, Meryl Streep, Michael Peña, Derek Luke, Peter Berg





Tres historias interconectadas: un congresista que se relaciona con una periodista, al tiempo que un idealista profesor trata de inspirar a un alumno aventajado de su clase. En la tercera historia, dos soldados americanos destinados en Afganistán, uno de los cuales fue alumno del profesor citado anteriormente, se encuentran de repente heridos en territorio enemigo. Con esta historia coral Redford se decide a volver a la dirección tras éxitos como 'Ordinary People' o 'Quiz Show'.

Estreno en EE.UU.: 9 de noviembre
Estreno en España: 16 de noviembre
Estreno en Argentina: 29 de noviembre



'Cassandra´s Dream'
('El sueño de Casandra')


Director: Woody Allen
Guionista: Woody Allen
Banda sonora: Philip Glass
Fotografía: Vilmos Zsigmond
Montaje: Alisa Lepselter
Principales intérpretes: Ewan McGregor, Colin Farrell, Tom Wilkinson, Mark Umbers, Hayley Atwell




Casi todo el mundo se deshizo en alabanzas con la anterior película del neurótico por excelencia del cine, pero con ésta las cosas no le están yendo demasiado bien. De todos modos, no debemos perder la esperanza de que Allen se anote otro tanto contándonos la historia de una joven cazafortunas recién llegada a Londres, en cuyo camino se cruzan dos hermanos de clase trabajadora que se enamoran de ella, y a los que convence para cometer un crimen que les proporcione dinero rápido.

Estreno en EE.UU.: 30 de noviembre
Estreno en España: 26 de octubre
Estreno en Argentina: sin determinar



'Atonement'
('Expiación')


Director: Joe Wright
Guionista: Christopher Hampton
Banda sonora: Dario Marianelli
Fotografía: Seamus McGarvey
Montaje: Paul Tothill
Principales intérpretes: Keira Knightley, James McAvoy, Brenda Blethyn, Vanessa Redgrave, Romola Garai





En el verano de 1935, Briony Tallis, una precoz escritora de 13 años, cambia irremediablemente el curso de varias vidas cuando acusa al amante de su hermana mayor de haber cometido un crimen en el que no tuvo nada que ver. Los productores y el realizador de 'Bride and Prejudice' vuelven a unirse en este drama basado en el premiado superventas de 2002 del mismo título.

Estreno en EE.UU.: 7 de diciembre
Estreno en España: 11 de enero
Estreno en Argentina: 1 de noviembre



'Youth Without Youth'
('Juventud sin juventud')


Director: Francis Ford Coppola
Guionista: Francis Ford Coppola
Banda sonora: Osvaldo Golijov
Fotografía: Mihai Malaimare Jr.
Montaje: Walter Murch
Principales intérpretes: Tim Roth, Bruno Ganz, Alexandra Maria Lara, André Hennicke





El legendario Francis Ford Coppola vuelve al cine tras unos años dedicándose a los viñedos con la historia de Dominic Matei, un profesor cuya vida sufre un cataclismo en los oscuros años previos a la Segunda Guerra Mundial cuando, tras un accidente, descubre que rejuvenece día tras día, además de sufrir un aumento exponencial de su inteligencia. Convertido en fugitivo, Matei vagará por diversos países.

Estreno en EE.UU.: 14 de diciembre
Estreno en España: sin determinar
Estreno en Argentina: sin determinar



'There Will Be Blood'


Director: Paul Thomas Anderson
Guionista: Paul Thomas Anderson
Banda sonora: Jon Brion
Fotografía: Robert Elswit
Montaje: Tatiana S. Riegel y Dylan Tichenor
Principales intérpretes: Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Ciarán Hinds, Kevin J. O'Connor, Russel Harvard




Daniel Day-Lewis vuelve a la gran pantalla tras su última colaboración con Martin Scorsese, en esta ocasión con una historia sobre la familia, la avaricia, la religión y el petróleo, que gira en torno a un prospector de Texas de comienzos del siglo XX, en los primeros años del negocio del oro negro. Paul Thomas Anderson intenta recuperar el éxito tras su relativo fracaso con 'Punch-Drunk Love'.

Estreno en EE.UU.: 26 de diciembre
Estreno en España: sin determinar
Estreno en Argentina: 31 de enero

15 sept. 2007

La nueva temporada (1ª parte)

Al fin se está acabando el verano. Bueno, para mí es "al fin", pero quizás para vosotros sea "por desgracia, ya", según lo agradable que esta época de altas temperaturas haya sido para cada uno. Para el cine siempre es una estación muy desagradable, puede que para la taquilla no, pero sí en cuanto a la calidad de los films estrenados. Pero ya podemos respirar aliviados, puesto que se aproxima la nueva temporada y por tanto tenemos varios títulos más que interesantes a la vista. Haré un breve repaso de algunas de esas películas que, en mi opinión, merecen que les sigamos la pista. Evidentemente hay muchas más, pero de momento echemos un vistazo a éstas:



'Eastern Promises'
('Promesas del este')


Director: David Cronenberg
Guionista: Steven Knight
Banda sonora: Howard Shore
Fotografía: Peter Suschitzky
Montaje: Ronald Sanders
Principales intérpretes: Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel, Armin Mueller-Stahl





David Cronenberg vuelve tras el éxito conseguido con 'A History of Violence' con esta película donde nos narra la historia de Anna, una enfermera que descubre una serie de pruebas que relacionan a Nikolai, miembro de la mafia rusa, con diversos crímenes, por lo que tanto él como otros miembros de su clan intentarán evitar que lleguen a las manos de la policía.

Estreno en EE.UU.: 14 de septiembre
Estreno en España: 5 de octubre
Estreno en Argentina: 15 de noviembre



'The Brave One'
('La extraña que hay en tí')


Director: Neil Jordan
Guionista: Roderick Taylor, Bruce A. Taylor y Cynthia Mort
Banda sonora: Dario Marianelli
Fotografía: Philippe Rousselot
Montaje: Tony Lawson
Principales intérpretes: Jodie Foster, Terrence Howard, Mary Steenburgen, Naveen Andrews





Neil Jordan, director de 'The Crying Game', 'Mona Lisa' o 'Breakfast on Pluto', vuelve acompañado de Jodie Foster, el emergente Terrence Howard y la casi olvidada Mary Steenburgen para contarnos la historia de Erica Bain, una mujer que un día sufre una brutal paliza por parte de unos delincuentes en la cual además fallece su pareja. Tras este fatal suceso se irá transformando en una persona cada vez más violenta, llegando a emplear las armas como medio para eliminar todo el rencor y odio que acumula dentro.

Estreno en EE.UU.: 14 de septiembre
Estreno en España: 28 de septiembre
Estreno en Argentina: 25 de octubre



'3:10 to Yuma'


Director: James Mangold
Guionista: Halsted Wells, Michael Brandt y Derek Haas
Banda sonora: Marco Beltrami
Fotografía: Phedon Papamichael
Montaje: Michael McCusker
Principales intérpretes: Christian Bale, Russell Crowe, Gretchen Mol, Ben Foster, Peter Fonda





Tras dirigir a Joaquin Phoenix y Reese Witherspoon, Mangold ha decidido intentar revivir el western con este remake del film de 1957 de Delmer Daves, y por el momento está teniendo un gran éxito de taquilla, público y crítica narrándonos la historia de Dan Evans, un ranchero que, con la aspiración de conseguir una recompensa que alivie sus penurias económicas, decide colaborar en la captura del peligroso forajido Ben Wade, reteniéndolo en su rancho hasta que llegue el tren de las 3:10 que le trasladará a prisión. Una misión que pronto se volverá muy violenta.

Estreno en EE.UU.: 7 de septiembre
Estreno en España: sin determinar
Estreno en Argentina: 8 de noviembre



'Across the Universe'


Director: Julie Taymor
Guionista: Julie Taymor, Dick Clement y Ian La Frenais
Banda sonora: Elliot Goldenthal
Fotografía: Bruno Delbonnel
Montaje: Françoise Bonnot
Principales intérpretes: Evan Rachel Wood, Jim Sturgess, Dana Fuchs, Joe Anderson, Cynthia Loebe, Martin Luther









Los amantes de las canciones de los Beatles están de enhorabuena, porque gran parte de la música que escucharán en este film es del mítico cuarteto. Aparte del apartado sonoro, Julie Taymor promete deslumbrarnos visualmente con este musical de historia amarga ambientada en los EE.UU. que sufrieron la guerra de Vietnam y todas las movilizaciones sociales que ésta conllevó.

Estreno en EE.UU.: 21 de septiembre
Estreno en España: sin determinar
Estreno en Argentina: sin determinar



'El orfanato'


Director: Juan Antonio Bayona
Guionista: Sergio G. Sánchez
Banda sonora: Fernando Velázquez
Fotografía: Óscar Faura
Montaje: Elena Ruiz
Principales intérpretes: Belén Rueda, Fernando Cayo, Mabel Rivera, Geraldine Chaplin





El español Juan Antonio Bayona está logrando que su film tenga una inusual proyección internacional gracias al éxito con su paso por Cannes. En este film se nos narra la historia de Laura, una mujer que regresa con su familia al orfanato en el que creció de niña, con la intención de abrir una residencia para niños discapacitados. El nuevo entorno despierta la imaginación de su hijo, que comienza a dejarse llevar por juegos de fantasía cada vez más intensos. Éstos van inquietando a Laura cada vez más, hasta el punto en el que llega a pensar que hay algo en la casa está amenazando a su familia.

Estreno en EE.UU.: 28 de diciembre
Estreno en España: 11 de octubre
Estreno en Argentina: sin determinar



'The Darjeeling Limited'


Director: Wes Anderson
Guionista: Wes Anderson, Roman Coppola y Jason Schwartzman
Fotografía: Robert D. Yeoman
Montaje: Andrew Weisblum
Principales intérpretes: Owen Wilson, Adrien Brody, Jason Schwartzman, Anjelica Huston, Amara Karan





Un viaje a la India realizado en el tren The Darjeeling Limited por tres hermanos para reencontrarse a sí mismos. Éste es el simple comienzo de la historia narrada por el particular Wes Anderson, juntándose con varios de sus actores habituales.

Estreno en EE.UU.: 28 de septiembre
Estreno en España: 18 de enero
Estreno en Argentina: sin determinar



'Se, jie'


Director: Ang Lee
Guionista: James Schamus y Hui-Ling Wang
Banda sonora: Alexandre Desplat
Fotografía: Rodrigo Prieto
Montaje: Tim Squyres
Principales intérpretes: Tony Leung, Wei Tang, Joan Chen





Tras su arrollador éxito con 'Brokeback Mountain', el realizador taiwanés ha decidido volver a rodar en mandarín, en este caso un thriller de espionaje con alto contenido erótico ambientado en el Shanghai de la II Guerra Mundial, donde una joven agente de la resistencia logrará ganarse el corazón de un influyente político, teniendo acceso a una gran cantidad de información, e incluso la oportunidad de asesinarlo, pero viéndose en la difícil situación de tener que dejar de lado sus propios sentimientos. Por el momento esta película ya le ha proporcionado a Ang Lee su segundo León de Oro del festival de Venecia.

Estreno en EE.UU.: 28 de septiembre
Estreno en España: 14 de diciembre
Estreno en Argentina: sin determinar



'Elizabeth. The Golden Age'
('Elizabeth. La edad de oro')


Director: Shekhar Kapur
Guionista: Michael Hirst y William Nicholson
Banda sonora: A. R. Rahman
Fotografía: Remi Adefarasin
Montaje: Jill Bilcock
Principales intérpretes: Cate Blanchett, Geoffrey Rush, Clive Owen, Samantha Morton, Jordi Mollá, Tom Hollander





Shekhar Kapur vuelve a dirigir a Cate Blanchett en el papel que la lanzó al estrellato. En esta ocasión se nos narran los problemas de la reina Elizabeth con la España de Felipe II, a la vez que su relación con el aventurero Walter Raleigh y sus diferencias con la reina de Escocia, María.

Estreno en EE.UU.: 12 de octubre
Estreno en España: 9 de noviembre
Estreno en Argentina: 7 de febrero



'No Country for Old Men'
('No es país para viejos')


Director: Joel Coen
Guionista: Ethan Coen y Joel Coen
Banda sonora: Carter Burwell
Fotografía: Roger Deakins
Montaje: Ethan Coen y Joel Coen (bajo su habitual seudónimo, Roderick Jaynes)
Principales intérpretes: Tommy Lee Jones, Josh Brolin, Javier Bardem, Woody Harrelson, Kelly Macdonald





Los hermanos Coen vuelven al thriller que, con sus diversas variantes, tan buenos resultados les dió con 'Fargo' o 'Blood Simple'. Esta vez nos narrarán la historia de Llewelyn Moss, un cazador de antílopes texano que descubre un día un hombre acribillado a balazos, un cargamento de heroína y dos millones de dólares en efectivo. Un imparable psicópata, que siempre carga con una bombona, se acabará cruzando en su camino, mientras la policía intenta aclarar todo lo sucedido y recuperar el dinero.

Estreno en EE.UU.: 9 de noviembre
Estreno en España: 7 de marzo
Estreno en Argentina: 14 de febrero



'I´m Not There'


Director: Todd Haynes
Guionista: Todd Haynes y Oren Moverman
Fotografía: Edward Lachman
Montaje: Jay Rabinowitz
Principales intérpretes: Heath Ledger, Christian Bale, Richard Gere, Ben Whishaw, Cate Blanchett, Marcus Carl Franklin, Michelle Williams, Charlotte Gainsbourg, Julianne Moore





Seis actores. Seis diferentes alter egos de Bob Dylan. Todd Haynes ha decidido afrontar el reto de realizar el biopic del famoso cantante de este particular modo. Desde luego, una propuesta original y atractiva, con un reparto de los que quitan el hipo. La interpretación de Cate Blanchett es calificada por muchos de magistral, y obtuvo la Copa Volpi a la mejor actriz en Venecia, algo que resultó extraño ya que el suyo es un papel secundario y no protagonista. El jurado también decidió conceder el Premio Especial a este film de Todd Haynes.

Estreno en EE.UU.: 21 de noviembre
Estreno en España: sin determinar
Estreno en Argentina: sin determinar

13 sept. 2007

No somos más que simples insectos

'Kundun'



AÑO: 1997
DURACIÓN: 134 min.
DIRECTOR: Martin Scorsese
GUIÓN: Melissa Mathison
BANDA SONORA: Philip Glass
FOTOGRAFÍA: Roger Deakins
MONTAJE: Thelma Schoonmaker
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Tenzin Yeshi Paichang, Gyurme Tethong, Tencho Gyalpo, Tenzin Thuthob Tsarong, Ken Leung




El Dalai Lama espera poder hacer el viaje de regreso algún día. Yo también deseo que algún día pueda volver al Tíbet, el lugar donde le corresponde estar, y Martin Scorsese es evidente que piensa lo mismo. Si algo se desprende de esta cinta sobre el crecimiento y exilio del decimocuarto Dalai Lama debido a la invasión del ejército chino de Mao es un inmenso respeto, no sólo histórico, sino espiritual.

El joven Dalai Lama tendrá unos grandes cuidados y educación por parte de los demás monjesEl Dalai Lama actual fue encontrado en una pequeña casa al lado de la frontera con China al poco de fallecer su predecesor. Tras un pequeño ritual para comprobar si el niño es efectivamente la nueva reencarnación del Buda de la compasión, será llevado al palacio de Potala, lugar en el que se llevará a cabo su educación a fin de ser coronado como el nuevo líder espiritual y político del Tíbet cuando alcance la mayoría de edad. Pero la China comunista de Mao supone una gran amenaza para el Tíbet, ya que se encuentra dispuesta a invadir su país y repoblarlo con su propia gente.

El Dalai Lama dudará en algunos momentos de si él era realmente la nueva reencarnación del Buda de la redención, pero los demás monjes jamás perderán la fe y la confianza en élMartin Scorsese, hombre profundamente católico, demostró que admiraba la cultura tibetana con mucha pasión dirigiendo esta película. El Dalai Lama no es mostrado simplemente como un líder espiritual, sino como un modelo de bondad, humildad, entrega, respeto y mente abierta. Su educación espiritual es mostrada claramente en el film, pero se hace especial hincapié en su educación moral, sobre todo en los principio de la no violencia y del amor a todos los seres vivos. Tampoco confía demasiado en la existencia de las cárceles o la necesidad de tener un ejército. Un modelo de bondad absoluta, impensable en nuestra sociedad occidental de hoy en día. Aunque esa bondad lo hace algo ingenuo al principio con las intenciones del presidente Mao, pero no tardará en aprender la lección y saber en quien puede confiar y en quien no. Pese a todas estas virtudes mostradas, el director italoamericano no pretende ser aleccionador. No se nos muestran como el camino correcto a seguir, sino como las características de una figura que él respeta (¿quién no?). También al Dalai Lama se le atribuyen ciertas capacidades místicas, aunque de un modo muy sutil y discreto. Visiones sobre un Himalaya libre de enemigos, guerreros tibetanos masacrados por los chinos... imágenes bastante sencillas y que pueden provenir más de un presentimiento que de una capacidad sobrenatural. La cultura del Tíbet también se nos muestra artísticamente atractiva, con sus grandes y hermosísimos tapetes de arena o los vistosos trajes usados durante las diferentes celebraciones. El ejército chino de Mao es claramente el villano de la película, lo cual es normal teniendo en cuenta las atrocidades que cometieron en el Tíbet y otros territorios limítrofes. Los ideales socialistas de Mao sembrarán la duda en el Dalai Lama, ya que en principio parecen tener bastantes puntos en común con su ideología, pero todos sabemos que no fueron de especial ayuda para el pueblo de China, por mucho que les lavase el cerebro a miles de personas, siendo esa fe ciega mostrada en la película a través de las declaraciones de algunos militares.

Como era de esperar, la ambientación del film es intachable, con sus lujosos y preciosos decorados del palacio de Potala o el monasterio de Dungkar entre otros. Visualmente volvemos a tener una película muy trabajada, como es habitual en Scorsese. Una iluminación muy natural, con escasas luces artificiales, y un excelente uso de la cámara y las localizaciones ayudan a dotar de una gran belleza paisajística al conjunto, obra del director de fotografía Roger Deakins, cuyo talento ya hemos podido comprobar en sus diversas colaboraciones con los hermanos Coen ('Fargo', 'The Man Who Wasn´t There'). Pero, si hay un miembro del equipo técnico que merece ser destacado por encima de todos los demás, ése es el compositor Philip Glass. Su partitura es de una belleza deslumbrante, y encaja como un guante en este film gracias al empleo de diversos instrumentos con sonoridades orientales. Además, varias de sus piezas ayudan a las escenas a gozar entre sí de una cohesión que de otro modo no tendrían, siendo un buen ejemplo la secuencia de huida del Dalai Lama a la India, con una larga y contundente composición musical que alterna cantos corales, solos de flauta y otros instrumentos orientales. Los coros son un importante refuerzo para la ya comentada aura de misticismo que rodea al protagonista y para resaltar sus bellos ideales.


Los impresionantes decorados del palacio de Potala son increíblemente hermosos, al igual que todos los del film

Scorsese tomó una decisión arriesgada antes de rodar la película, pero muy acertada viendo el resultado: usar sólo actores tibetanos para encarnar al Dalai Lama y los demás monjes. Todos los encarnan sin especiales fisuras, siendo especialmente reseñable el trabajo de Gyatso Lukhang como el Lord Chambelán del Dalai Lama, siempre muy cercano y amigable a la vez que centrado en su trabajo. Por desgracia, la película fue rodada en inglés, lo que le resta parte de la credibilidad ganada por escoger a un reparto tan particular.

El Lord Chambelán no era más que un simple insecto. Yo no soy más que un simple insecto. Pero el Dalai Lama era (y es) más que eso. Es un ejemplo de bondad, entrega y generosidad digno de ser admirado y respetado por todos. Scorsese lo demuestra en esta película que, aunque no se encuentre entre sus obras cumbre, tiene momentos de una belleza mayúscula y denota un respeto espiritual por una cultura ajena que pocas veces he visto en la gran pantalla. Por ello está claro que Scorsese también es algo más que un simple insecto.

12 sept. 2007

Recibo premio, reparto premio

Las convoluciones campan a sus anchas por mi mente estos días. Hileras de neuronas que se desplazan sobre unos ejes (¿quién sabe si con ruedas?) para cruzarse con otras y designar unas áreas que representarán lo bien que transmito la información que me rodea a mi cerebro. Quizás esa mala retransmisión sea el motivo de que ayer me pareciese leer en un comentario que mi querida y ávida lectora de todo tipo de escritos Anikaa me había concedido un premio que se entregan los bloggeros entre ellos, el Thinking Blogger Award. Debe de ser una ilusión, porque sigo sin creerme que en tan poco tiempo alguien ya haya fijado su atención en este blog que cada día me parece más imperfecto. Por cada aspecto que mejoro en él encuentro otros tres que quiero retocar, y así en un bucle infinito. Mis lectores parecen ser muy indulgentes y me los pasan por alto, centrándose en leer mis textos. Se lo agradezco de todo corazón. Si hay algo que me alegra de verdad es ver que alguien ha comentado una de mis entradas porque significa que la ha leído y no le ha dejado indiferente, y eso es lo que pretendo. Me améis o me odiéis, intento que mis textos estimulen vuestras neuronas del modo más sano posible, tal y como estimularon las mías cuando los escribía.



Tras este párrafo surgido de la pura improvisación (cuanto más lo lea menos me gustará, como siempre), paso a citar los cinco blogs a los que entrego por mi parte el premio Thinking Blogger Award (rellenaré la lista según conozca candidatos que me parezcan merecedores; no suelo navegar por un gran número de blogs):

- El primero va, evidentemente, para kinephilos, el mejor blog sobre cine que conozco, con decenas de críticas y artículos de muy diferentes autores, incluyendo uno mío (no es autopropaganda, porque ese texto también lo tengo aquí, pero pensad lo que prefiráis :-P).

- Otro que conozco desde hace poco pero que me ha encandilado es El síndrome de Ottinger, por sus entradas tratando temas de la actualidad, incluyendo la política, algo que siempre me ha interesado.

7 sept. 2007

Receptores de los premios Donostia 2007

El Festival de Cine de San Sebastián ha hecho públicos los nombres de los receptores de los premios Donostia de su próxima edición. Los agraciados son:

- Liv Ullmann -




Esta veterana actriz nacida en 1938 en Tokyo, Japón, aunque de ascendencia noruega, es conocida sobre todo por sus colaboraciones con el recientemente fallecido Ingmar Bergman. Algunas películas suyas son 'Persona', 'Utvandrarna', 'Ansikte mot ansikte' o 'A Bridge Too Far'.

- Richard Gere -




Popular gracias a películas como 'Pretty Woman', 'Runaway Bride' o 'Chicago', Gere se convirtió en uno de los galanes por antonomasia de Hollywood. Nacido en 1949 en Philadelphia, EE.UU., tiene sangre irlandesa fluyendo por sus venas, además de un gran número de fans que a buen seguro acudirán a verlo al festival de cine.

Puesta en escena vs. guión

'The Iron Giant'
('El gigante de hierro')



AÑO: 1999
DURACIÓN: 86 min.
DIRECTOR: Brad Bird
GUIÓN: Brad Bird (cuento: Ted Hughes)
BANDA SONORA: Michael Kamen
FOTOGRAFÍA: Steven Wilzbach
MONTAJE: Darren T. Holmes




La animación tradicional parece estar destinada a acabarse dentro del mundo del cine. Muy pocos directores la escogen en lugar de la popular animación por ordenador, que tantos grandes éxitos le está dando a Pixar, en contraste con los inacabables batacazos de sus superiores, los estudios Disney. Sólo el anime parece resistir perfectamente la batalla, teniendo como principal representante para los occidentales a Hayao Miyazaki ('El viaje de Chihiro', 'Mi vecino Totoro'). Pero sí hubo un representante del cine de animación tradicional estadounidense a destacar en los últimos 10 años: 'The Iron Giant'.

En ella se nos narra la historia de Hogarth Hughes, un niño de nueve años que un día de 1958 descubre que un gigante de hierro ha llegado desde el espacio a los bosques cercanos a su pequeño pueblo de Maine. Los vecinos comenzarán a notar sucesos extraños en la zona, por lo que avisarán al gobierno, que enviará al agente Kent Mansley para investigar la situación, estando ya sumergidos en la paranoia de la Guerra Fría. Hogarth será el único que se preocupe por ocultar al gigante de todos, incluida su madre (no sabemos qué es de su padre), contando con la ayuda de Dean McCoppin, un chatarrero de alma bohemia.

No nos encontramos ante una historia especialmente original, como vemos. Lo cierto es que los tópicos se suceden por doquier: adultos que nunca creen en el niño, un ser de apariencia monstruosa pero que en realidad es inofensivo y cuenta con buenos sentimientos, el artista amigable y buena persona de estilo de vida bohemio, el niño protagonista de poco éxito entre sus compañeros de clase, un agente del gobierno empeñado en defender teorías conspiranoicas hasta el último momento, etc. Tras tamaña colección de tópicos toca preguntarse “¿qué puede tener esta película para compensarlos?”.Y la respuesta son sólo dos palabras: Brad Bird.


Dean y, sobre todo, Hogarth serán los únicos aliados con los que cuente el gigante en nuestro planeta

El ahora director de éxito gracias a 'The Incredibles' y 'Ratatouille' debutó en la gran pantalla con este film tras haber trabajado en la serie 'The Simpsons' durante varios años. Ya en preproducción anunció un detalle importante de esta película: sería rodada en formato scope. Este formato no es normal en un film de animación, ya que se emplea normalmente en las producciones visualmente más espectaculares, asi que ¿qué otro motivo podría haber para elegirlo? Muy sencillo: ninguno. Simplemente ocurre que 'The Iron Giant' es visualmente espectacular y deliciosa. El diseño de los personajes humanos se escapaba del modelo al que nos tenían acostumbrados otras productoras como la sempiterna Disney (que intentaría seguir este modelo en algunos de sus posteriores proyectos como 'The Emperor´s New Groove'). Una ligera deformación de las facciones les da un toque atractivo y a la vez más realista. La iluminación es otro factor decisivo en esta película, ya que su empleo dentro de los dibujos es infinitamente más trabajado de lo habitual. Juegos de luz, diferentes tonalidades en la iluminación, fuegos más realistas y espectaculares... El encuadre de la imagen y planificación son otros puntos cruciales en el trabajo de Brad Bird. La espectacularidad del formato scope es aprovechada en todo momento, con algunos planos realmente inmejorables. El apartado visual, uno de los más habitualmente dejados de lado en la animación de las últimas décadas, es aquí cuidado con gran esmero, y aún mayor éxito. Pero la mano de un director nada habitual para la animación no se nota sólo en esos apartados. Nos encontramos detalles como la foto de un aviador en casa de Hogarth, que nos da a entender que ése era su padre y que posiblemente murió pilotando un avión (el nombre del niño es una referencia clara al mundo de la aviación). Los innumerables tópicos del guión son suavizados en diversas ocasiones al pasar de puntillas sobre ciertos diálogos o situaciones. El mejor ejemplo lo encontramos en la predecible conclusión de la historia, cuando vemos a Hogarth con numerosos amigos y a su madre que ha iniciado una relación con Dean. Dicha relación nos es mostrada con una sola palabra, “cariño”, sin hacer especial hincapié en ella, al igual que en el hecho de que Hogarth ahora sea popular, mostrado sólo un fugaz momento. Todos nos temíamos esta conclusión, pero por suerte no se machaca al espectador con la importancia de tener muchos amigos, pareja o un padre.

El desenlace del gigante es también conocido por cualquiera: será una víctima más de la paranoia y el belicismo del ser humano. Criticar dichos aspectos no es una mala idea, pero sigue siendo un tema recurrente en el cine infantil. La naturaleza devastadora del gigante (aunque sólo se active en defensa propia, es evidente que su naturaleza es más la de un arma que de un ser pacífico) es superada gracias a los buenos sentimientos aprendidos de Hogarth, como es habitual. Por desgracia los tópicos siguen imperando alrededor del propio gigante.


El formato scope es mostrado en todo su esplendor y potencial en este film

Cuando acabé de ver la película tuve sentimientos muy encontrados. Los tópicos eran un punto muy en contra del film, pero su deslumbrante puesta en escena le subía muchos enteros. ¿Qué apartado le gana al otro? Es evidente que por la inusitada labor de Brad Bird como director esta película sale más bien que mal parada, pero su tremendo fracaso en taquilla no fue suficiente para darle el apoyo necesario a la animación tradicional, la cual ya ha perdido la batalla frente al ordenador en occidente. Pero sí se ha convertido en un pequeño film de culto que le dio a Brad Bird un gran y merecido prestigio dentro del mundo del cine. No es para menos, ya que ha demostrado ser de los pocos cineastas que han comprendido que el cine de animación no debe ser tratado de un modo inferior al cine con imagen real. Y es que los niños, por muy inocentes que sean, se merecen productos tan dignos y trabajados como sus padres.