2 ago. 2009

Recordemos a... Marcello Mastroianni





Marcello Vincenzo Domenico Mastroianni nació el 28 de septiembre de 1924 en Fontana Liri, un pequeño pueblo en los Apeninos a unos 90 km de Roma, hijo de Ida y Ottone Mastroianni, dueño de una carpintería. Tras vivir sus primeros años en su pueblo natal, su familia se mudaría a Turín, y algún tiempo después darían otro paso trasladándose a la bulliciosa capital italiana. Su infancia y juventud transcurrieron tranquilas y sin hechos reseñables, hasta que llegó la II Guerra Mundial.

Durante los primeros años de la Gran Guerra pudo mantenerse alejado de ella y trabajar como delineante en Roma, pero finalmente los nazis lo detuvieron y enviaron a un campo de trabajos forzados al norte de Alemania. Sin embargo, tuvo la suerte de lograr huir de él y poder regresar a Italia. Venecia fue su escondite hasta que acabó la guerra y pudo retomar una vida normal.


Si por algo se carcterizan las imágenes más recordadas de Mastroianni en el cine, es por su gran elegancia y clase a la hora de jugar con sus gafas.En 1945 pudo felizmente regresar a Roma, sin sospechar que poco después aceptaría un trabajo como contable en la productora Eagle Lion. Además de este sueldo decidió ganar un dinero adicional trabajando en pequeños papeles con un grupo de intérpretes local. Con estos dos trabajos que tenían como nexo el mundo interpretativo, no es de extrañar que decidiera estudiar interpretación en la universidad romana. Poco después Luchino Visconti se fijaría en él durante una de sus interpretaciones, por lo que decidiría contratarlo para diversas de sus obras, convirtiéndose en un miembro habitual de su compañía. Con ellos realizaría representaciones de obras tan emblemáticas como 'Un tranvía llamado deseo' o 'Muerte de un viajante'.

Su primer papel en el mundo del cine, por el momento como secundario de escasa importancia, sería en I miserabili, adaptación de la novela de Victor Hugo a cargo de Riccardo Freda del año 1948, el mismo año en que contraería matrimonio con la actriz Flora Carabella, con la que tendría un hijo. Durante bastantes años realizó papeles poco importantes en producciones que rarísima vez salían de las fronteras italianas. En 1955 protagonizaría junto a Vittorio de Sica y Sophia Loren Peccato che Sia una Canaglia, de Alessandro Blasetti, un proyecto que le permitió lograr algo de fama dentro de Italia, aunque sus proyectos seguían siendo por lo demás de escasa repercusión. En estas circunstancias el propio actor comenzó a perder el interés por la interpretación al no lograr mejorar su situación, pero entonces Visconti decidió recurrir de nuevo a sus servicios, pero esta vez en el mundo del cine.

Le Notti Bianche supuso su reencuentro y reavivó el interés del italiano por au trabajo. Poco después lograría su primer éxito fuera de Italia con su papel secundario en I Soliti Ignot, thriller clásico de Monicelli. Pero su revelación internacional llegó en 1960 de la mano de la obra maestra de Fellini La Dolce Vita, donde Mastroianni interpretaba a un columnista desilusionado. Su siguiente papel reseñable vino de la mano de Antonioni con La Notte, en 1961, donde de nuevo su expresión distanciada y sobriedad encajaron en el ambiente de emociones contenidas del film.


Su trabajo como el barón Ferdinando Cefalù fue uno de sus principales trampolines a la fama.En 1962 lograría uno de sus mayores éxitos con Divorzio all'italiana, una comedia negra de gran éxito en todo el mundo, de Pietro Germi. Con ella llegarían sus primeros premios, entre ellos un Bafta, un Globo de Oro y su primera nominación al Oscar al mejor actor, por interpretar a un barón italiano que planea el asesinato de su esposa como un sustituto del divorcio al no estar todavía permitido en Italia. Al año siguiente comenzaría sus proyectos internacionales a las órdenes de Louis Malle con Vie privée al lado de Brigitte Bardot, logrando otro importante éxito de taquilla. En poco tiempo se convirtió en el actor más solicitado en el continente europeo junto a Jean-Paul Belmondo, por lo que se habituaría a trabajar con algunos de los cineastas italianos más importantes. En 1963 rodaría otro título emblemático a las órdenes de Fellini, , donde encarnaba al director en plena crisis artística Guido Anselmi, en una disfrazada autobiografía del director italiano. Al año siguiente repetiría éxito de taquilla con Matrimonio all'Italiana, secuela de su exitosa comedia negra de pocos años atrás.

Muchos de sus papeles en sus grandes éxitos explotaban de diversos modos su faceta de seductor, lo que le llevó a convertirse en uno de los referentes como “latin lover”, imagen con la que él no estaba contento, por lo que intentaría participar en films que se centrasen en otros aspectos de su personaje. Le seguirían obras como Oggi Domani Dopodomani o La Decima Vittima antes de volver con Visconti para su adaptación de la obra de Camus en Lo Straniero, para a continuación realizar su primer trabajo interpretativo en lengua inglesa con Diamonds for Breakfast. John Boorman y Vittorio de Sica lo dirigirían respectivamente en Leo the Last y A Time for Lovers, sus dos siguientes producciones internacionales, y ambas importantes fracasos. Por este motivo decidió volver a la comodidad que le brindaba el cine italiano.

Durante los años 70 protagonizaría obras como Roma, de nuevo con Fellini, o Che? a las órdenes de Roman Polanski. También trabajaría al lado de Catherine Deneuve en numerosas películas, empezando un sonado romance con ella del que nacería su segundo hijo. En el año 77 lograría su segunda nominación al Oscar con un nuevo éxito, Una giornata particolare, en la que compartía pantalla con Sophia Loren. A partir de entonces, y a pesar de que mantuvo un volumen de trabajo importante, con varias películas estrenadas cada año, su éxito en taquilla y caché fueron disminuyendo debido a diversos fracasos y decepciones entre ellos.


Uno de sus papeles más recordados es el director de cine Guido Anselmi, alter ego de Federico Fellini.Sus interpretaciones fuera de Italia serían cada vez menores, aunque nunca perdería el aprecio de la crítica, como demuestra su premio al mejor actor en Cannes y tercera nominación al Oscar por Oci Ciornie, de Nikita Mikhalkov, en 1987. Con ésta se convertiría en el actor con mayor número de nominaciones por interpretaciones en lengua no inglesa, récord que aún ostenta a día de hoy, además de ser, junto a Jack Lemmon y Dean Stockwell, el único actor que ha recibido dos veces el premio al mejor actor en Cannes (ya lo había conseguido en 1970 por Dramma della gelosia (tutti i particolari in cronaca)).

A principios de los 90 trabajaría, entre otros, con Robert Altman en Prêt-à-Porter y Raoul Ruiz en Trois vies & une seule mort, además de compartir cartel con Shirley MacLaine, Kathy Bates y Jessica Tandy en Used People. Sostiene Pereira supondría otro importante éxito para él, reportándole un nuevo premio David previo a su última interpretación en Viagem ao Princípio do Mundo, de Manoel de Oliveira. Al año siguiente sería elegido receptor del premio David honorífico tras haber participado en más de 120 películas, pero un cáncer de páncreas segaría su vida antes de que pudiera recogerlo.

Marcello Mastroianni, posiblemente el actor italiano más internacional de la historia, eterno galán y actor fetiche de Fellini y Visconti, murió debido a las complicaciones de un cáncer de páncreas en París, Francia, el 19 de diciembre de 1996, y fue enterrado en el cementerio Monumentale di Verano en Roma, Italia. Tenía 72 años.






Marcello Mastroianni ha pasado a la historia como uno de los seductores italianos por antonomasia y, sobre todo, como el actor más importante de su generación.


Fuentes: Wikipedia, IMDB, MarcelloMastroianni.com

4 jun. 2009

Sean Bean "El malo"

Tengo una duda: ¿Alguna vez el actor Sean Bean ha hecho algo que sea el papel del malo de la película?

Ya, ya sé que seguro que sí, y no tengo más que consultar a IMDB, pero siempre que le veo en una película pienso "ahí está el malo...", desde Juego de patriotas a El señor de los anillos, pasando por Goldeneye... Siempre le recuerdo en personajes de ese pelo. (Vale, vale, en El señor de los anillos no era el malo de la función, pero era Boromir, un personaje fácilmente corrompible y un tanto oscuro).

Dudas que me surgen de vez en cuando.

19 may. 2009

Bud Spencer haciendo lo que mejor sabe

Espero que me permitais un post que no es estrictamente cinematográfico, pero casi, y es por ello por lo que lo incluyo.

Estos días están emitiendo en televisión un anuncio que realmente me hace mucha gracia, que es un claro homenaje a las antiguas películas que hacía el gran (por su tamaño, claro) Bud Spencer, cuyo nombre real es Carlo Pedersoli. Lo de menos es lo que promocionan, ya que lo bueno es ver a este orondo actor en plena acción, aunque al pobre se le ve ya mayor... El anuncio es el siguiente:



Asi eran sus películas, junto a su compañero en tantas películas Terence Hill. Le llamaban Trinidad, Y si no... nos enfadamos, Dos superpolicías, Par impar, Quien tiene un amigo... tiene un tesoro, etc. Esas son algunas de las películas que coprotagonizaron, y todas eran iguales: mamporrazo limpio, que era lo que gustaba ver.

Algunas imágenes y pósters de sus películas:


Estoy entre hipopótamos


Le llamaban Trinidad


Dos super dos


Banana Joe



Hace pocas semanas los chicos de Muchachada Nui le hicieron también un homenaje, a su manera, en una de sus secciones. Si quieres puedes verlo aquí (yo creo que a estos chicos el hombre les cae bien. No sería de extrañar, con tantos buenos ratos que nos hizo pasar a tantos con aquellas películas... ¡menudos golpetazos metía!).



Con esta entrada, por mi parte, me gustaría unirme a estos homenajes a Bud Spencer.

12 may. 2009

Españoles en los Oscar


Habrá gente que piense que en los Oscar de Hollywood sólo han estado Pedro Almodóvar, Javier Bardem y Penélope Cruz. Pues nada de eso. Antes de ellos ha habido unos cuantos españoles que han podido disfrutar de toda esa parafernalia que significan los premios de la Academia de Cine Estadounidense, y son muchos más de los que se pueda pensar.



Intentaré enumerarlos aquí y espero no olvidarme ninguno, primero mencionaré a los que no consiguieron la estatuilla, y seguidamente, a los que sí lo hicieron (algunos nombres aparecen en ambos apartados ya que en unas ocasiones fueron candidatos al premio y en otras lo consiguieron):

A LAS PUERTAS DEL OSCAR

Antoni Clavé (1952): Mejor vestuario y mejor dirección artística por El fabuloso Andersen

Juan Antonio Bardem (1958): Su película La venganza fue la primera película española nominada a los Oscar.

Luis García Berlanga (1961): Mejor película extranjera con la genial e incisiva Plácido.

Francisco Rovira Veleta (1963 y 1967): Sus películas Los Tarantos (1963) y El amor brujo (1967) fueron nominadas como mejores películas en lengua extranjera.

Jorge Semprún (1967 y 1969): El primer español nominado en la categoría de guión, en 1967 con el guión original de La guerre est finie y en 1969 con el guión adaptado de Z.

Gil Parrondo (1971): Candidato a la mejor dirección artística por Viajes con mi tía.

Luis Buñuel (1970, 1972 y 1977): El genio aragonés fue por primera vez candidato al Oscar de mejor película en lengua extranjera por Tristana en 1970, mientras que en 1972 lo fue al de mejor guión original por El discreto encanto de la burguesía (como pongo más abajo, ganó el de mejor película extranjera) y en 1977 por el mejor guión adaptado de Ese oscuro objeto del deseo

Jaime de Armiñán (1972 y 1980): Competía con Buñuel en 1972 con la película Mi querida señorita para ser la mejor película en lengua extranjera. En 1980 fue nominada su película El nido como la mejor en lengua extranjera.

Néstor Almendros (1979, 1980 y 1982): Este gran director de fotografía casi obtuvo el Oscar por Kramer contra Kramer y en 1980 por El lago azul. En 1982 fue candidato por La decisión de Sophie.

Carlos Saura (1979, 1983 y 1998): Su película de 1979 Mamá cumple 100 años optó a ser la mejor en lengua extranjera, al igual que por Carmen en 1983 y también por Tango (aunque aquí iba por Argentina y no por España).

Jose Luis Garci (1984, 1987 y 1997): Candidato al Oscar de mejor película extranjera por Sesión continua (1984), Asignatura aprobada (1987) y El abuelo (1997).

Pedro Almodóvar (1988 y 2002): En 1988 su película Mujeres al borde de un ataque de nervios se quedó a las puertas del Oscar de mejor película en lengua extranjera, y en 2002 Hable con ella hizo que se convirtiera en el primer director de cine español nominado al Oscar de mejor director.

Juan Carlos Fresnadillo (1996): Primer cortometrajista español nominado al Oscar por su corto Esposados.

Montxo Armendáriz (1997): Secretos del corazón es nominada como mejor película de habla no inglesa.

Javier Bardem (2000): Opta al mejor actor por la película Antes que anochezca.

Javier Navarrete (2001): Mejor música original por El espinazo del diablo.

Manuel García (2004): Nominado al mejor maquillaje por Mar adentro.

Nacho Vigalondo (2005): Otro cortometrajista nominado con el corto 7:35 de la mañana.

Alberto Iglesias (2006 y 2008)
: Compositor nominado en 2006 por la música para El jardinero fiel y en 2008 para Cometas en el cielo.

Penélope Cruz (2007): Es la primera española nominada como mejor actriz por su trabajo en Volver.

Borja Cobeaga (2007): De nuevo, un cortometrajista nominado con el corto Éramos pocos.

Javier Fesser (2007): Y otro corto español nominado este mismo año. Se trata de Binta y la gran idea.

Javier Navarrete (2007): Optó a la mejor música original para El laberinto del fauno.

ESPAÑOLES QUE LOGRARON EL OSCAR

Juan de la Cierva (1969): No fue un Oscar como tal, sino algo llamado Premio científico o técnico de clase II (placa conmemorativa) por el diseño y desarrollo de compensador óptico de imágenes Dynalens (un estabilizador óptico para las cámaras).

Gil Parrondo (1970 y 1971): El primer español en conseguir un Oscar, fue por Patton a la mejor dirección artística. Repitió el premio en 1971 por Nicolás y Alejandra.

Antonio Mateos (1970): Obtuvo el premio a la mejor dirección artística por Patton.

José Castillo (1971): Oscar al mejor diseño de vestuario por Nicolás y Alejandra.

Luis Buñuel (1972): Primer director español en conseguir un oscar, el de mejor película en lengua extranjera, con El discreto encanto de la burguesía (iba por Francia).

Néstor Almendros (1978): Mejor fotografía por Días del cielo.

Jose Luis Garci (1982): Obtuvo el primer Oscar para una película española, fue con Volver a empezar.

Fernando Trueba (1993): Oscar a la mejor película de habla no inglesa a Belle epoque.

Pedro Almodóvar (1999 y 2002): En 1999 consiguió el premio de mejor película extranjera con Todo sobre mi madre y en 2002 logró el de mejor guión original con Hable con ella.

Alejandro Amenábar (2004): Mejor película de habla no inglesa para Mar adentro.

Pilar Revuelta (2007): Mejor dirección artística por El laberinto del fauno.

David Martí y Montse Ribé (2007): Mejor maquillaje por El laberinto del fauno.

Javier Bardem (2008): Primer actor español en conseguir la dorada estatuilla como mejor actor de reparto por su papel en No es país para viejos.

Penélope Cruz (2009): Primera actriz española que consigue el Oscar a la mejor actriz de reparto por Vicky Cristina Barcelona.

Fuentes: El País y RTVE

5 may. 2009

Quieeeero queeee me quieeeeraaas...

Madre mía, no puedo sacarme esta canción de la cabeza, ¡no lo logro! La canción es terroríficamente terrible, pero por eso mismo también es muy divertida.

Se trata de un tema para promocionar la película de Carlos Cuarón (hermano de Alfonso) Rudo y cursi, con Diego Luna y Gael García Bernal (juntos de nuevo tras Y tu mamá también), estrenada hace pocos días en nuestro país. No le está yendo demasiado bien en taquilla, pero la verdad es que este videoclip, o lo que narices sea, no tiene desperdicio. Por la letra, por ver a Gael García Bernal cantando y bailando de esa forma, y ejem, ¿por qué no? también por las chicas...



Por cierto, la película está nada menos que producida por Guillermo del Toro, Alejandro González-Iñárritu y Alfonso Cuarón.

Aquí su trailer:



Y como extra, un divertido trailer/spot que también deberían poner en los cines españoles:



Quieeeero queeee me quieeeeraaas...
Quieeeero queeee me adooooreeees...


3 may. 2009

Spin



Dirección: Jamin Winams.

Espero que os haya gustado este cortomentraje sin palabras, con una buena historia y con musiquilla (no está mal la cosa), que ya tiene su tiempecito (es de 2005) pero a mí me gusta volver a verlo de vez en cuando.

23 abr. 2009

¡Chocolateeee!

Gracias a mi amiga Arrate me he enterado de que el elenco de la película Los Goonies, dirigida en 1985 por Richard Donner (responsable de toda la saga de Arma letal pero también de La profecía, Superman II, Lady Halcón o Maverick) se ha vuelto a reunir, 24 años después de aquella genial película.


¿La razón? Nada del otro mundo... Siempre vivimos con las ansias de recuperar tiempos pasados y a los de la prestigiosa revista Empire les ha entrado la morriña para celebrar sus veinte años de publicación (claro, con razón se ponen nostálgicos, son unos cuantos años) han decidido reunir de nuevo a los protagonistas de la peli y editarán material inédito o curioso sobre aquel rodaje en el que tan bien debieron de pasárselo todos. Efectivamente si uno conoce la peli, podrá imaginar que así fue. Además el gran Steven Spielberg es uno de sus ideadores con lo cual, con más razón si andaba metido en el ajo...

Corey Feldman, Martha Plimpton (de los que por cierto poseo sus autógrafos), Sean Astin (vaya, así que a esto se dedicaba el bueno de Sam Gamyi antes de acompañar al señor Frodo a destruir el Anillo... ¡quién lo iba a decir!), Josh Brolin (actor que vive unos momentos dulcísimos debido a los grandes trabajos que está acumulando últimamente -No es país para viejos, Mi nombre es Harvey Milk- y los que tiene por hacer -la última de Woody Allen, por ejemplo)... ¡Todos juntos de nuevo!

Con anterioridad había muchos rumores sobre la posibilidad de una secuela de Los Goonies, donde veríamos a los personajes ya mayores (una idea que puede ser buena pero que a muchos seguro que no gusta ya que siempre tendrán en mente Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal), pero de momento no se sabe absolutamente nada. Con esta reunion podría pensarse que hablarán de ello... Quién sabe, sólo el tiempo lo dirá (frase tópica al canto).

O quizá realizan un remake... con algún cameo de los personajes originales... Hijos de por medio... Uf, qué horror, esperemos que no hagan algo así. Yo la verdad es que visto el panorama hollywoodiense actual, me lo veo venir.

¿Y de qué iba esta peli? La historia se podría resumir en pocas palabras: Muchas aventuras a las que uno, siendo un pequeñajo, siempre le gustaría vivir junto a su pandilla, con malos muy malos de por medio y tesoros ocultos desde hace muchos, muchos años.

Aquí su trailer (en inglés) donde se ve que efectivamente la cosa es más o menos en ese plan:



Otro póster diferente...




Y para acabar, el inolvidable (y para mí entrañable) Sloth (John Matuszak). ¡Chocolateeeee!



10 abr. 2009

Tiran más cuatro tetas que dos petas.

'Mentiras y gordas'



AÑO: 2009
DURACIÓN: 107 min.
DIRECTOR: Alfonso Albacete, David Menkes
GUIÓN: Alfonso Albacete, David Menkes, Ángeles González-Sinde
BANDA SONORA: Juan Sueiro, Juan Carlos Molina
FOTOGRAFÍA: Alfredo F. Mayo
MONTAJE: Fernando Pardo
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Mario Casas, Ana de Armas, Hugo Silva, Alejo Sauras, Asier Etxeandia, Miriam Giovanelli, Esmeralda Moya, Ana María Polvorosa, Yon González, Maxi Iglesias, Aida Folch, Duna Jové, Marieta Orozco, Xacobe Sanz, Clara Pradas





Doble sorpresa me ha provocado esta película. Primero fue su hazaña al entrar directamente en primera posición en la taquilla, desbancando a Clint Eastwood y su coche. Una sorpresa, en principio, grata, ya que el cine español anda necesitado de espectadores desde tiempos inmemoriales. Bastantes días después vino la sorpresa de su visionado, y es que una cosa es que no te esperes ver El espíritu de la colmena y otra muy diferente es ver esto.

Definir el género de esta... llamémosla cosa, es casi imposible. Quizás esperes que sea una comedia gorreril. Pues no lo es. Podría ser una comedia romántica con adolescentes y con alguna temática de drogas y desenfreno. Tampoco. Bueno, entonces será un retrato generacional con trasfondo dramático. Ni de coña. Como ya no veo más opciones plausibles, crearemos un nuevo término para definirla: cine de tetas, culos y pastillas. Eso es prácticamente lo único que se ve en pantalla todo el tiempo, lo que conduce la vida de estos jóvenes a lo largo de más de noventa minutos.


Una cosa es que esta chica quiera adelgazar un par de kilos, y otra muy distinta que saque pollos del horno al estilo de Homer Simpson.Lo grave no es que se vea una vida desenfrenada en esa juventud, es que no tienen vida más allá de esos aspectos, o si la tienen, es de chiste. Y ya no hablemos de perspectivas de futuro o ambiciones, siendo su único interés lograr más pastillas para la siguiente noche de juerga loca, ergo la noche de ese día. Y no, no son jóvenes perdidos o frustrados que se refugian en drogas para llevar el día a día, son simplemente chicos que viven en un mundo de drogas estimulantes y estímulos sexuales. El carpe diem adquiere una nueva dimensión con estas vidas que se nos muestran, carentes de planes o intereses. Cierto que existen pequeños intentos de dotar de dramatismo al asunto, como el trauma de una por su sobrepeso o el intento de una “camella” por llevar una vida normal, pero la estupidez con que se tratan o la brevedad con que asoman los convierten casi en detalle de risa. Valgan como ejemplos la escena en que la chica saca un pollo del horno en medio de una cita y empieza a hablar de lo bueno que estará, o el momento en el que uno de los jóvenes ve a su padre borracho en un bar, un plano muy enfatizado, para posteriormente no saber nada más de su familia ni apenas del propio chico.

Ya no me sorprende que los personajes más complejos sean los de tendencias homosexuales, pero sí que algo tan plano pueda presumir de ser complejo.Con semejante plantel de situaciones dramáticas, y el resto de escenas con los temas ya comentados, una pajarita de papel hace palidecer a la complejidad de los personajes. Una se enamora de un tío que no hace más que meterse rayas y le destroza el corazón al verlo con otra. El porqué, vaya usted a saber, aunque la verdad es que no nos interesa, y se ve que tampoco a los guionistas. Lo importante era ver la delantera de la chica en el baño, no conocer los motivos. Lo mismo podemos aplicar a otro chico que simplemente sale para acostarse con la “camella” y después robarle las pastillas. Dos veces sale, dos veces que únicamente sale con ese motivo. Tras ello desaparece, y ya está, nunca más se supo de su existencia. Desde estos personajes dignos de Shakespeare podemos viajar a otros como una joven que descubre el placer del sexo oral con la reveladora frase “mira, pues nunca me habían comido el coño”. Probablemente el caso más “complejo” sea el de un joven que lleva años enamorado de su mejor amigo, y como éste no es gay, pues ya tenemos el mártir de la película. Mención aparte para su escena bíblica en que reparte pastillas en medio de una fiesta.

Aquí, mis lectores. Aquí, el tío que se mete rayas sin parar y la protagonista colada por él de la cual no sabemos nada y cuyo momento más importante es enseñar las tetas.A pesar de todo esto, la película se intenta vender a sí misma como una especie de retrato de la juventud actual en todo momento. La falta de respeto al intelecto de su audiencia es constante, y los directores necesitaban algún tipo de gancho para atraer a la audiencia, por lo que optaron por un reparto lleno de caras conocidas gracias al mundo de las series de televisión. No creía que se pudiera llegar a ese extremo, pero hay que decir que sus papeles en series como “Aída” o “Física o química” son verdaderos bombones al lado de éstos.

De los aspectos técnicos podemos salvar una fotografía oscura pero eficaz, por lo demás la mediocridad sigue imperando en cada milímetro de metraje. Resulta sorprendente que los actores se aferren con tanta profesionalidad a sus personajes, más que probable que por ser el primer papel de la mayoría de ellos en el mundo del cine. Como se suele decir, la televisión les da fama y el cine prestigio, y éstos ya tenían la primera y ahora gozarán del desprestigio de haber participado en esta obra cuya única virtud es hacer parecer mejores al resto de películas al marcar un nuevo nivel en el cine español más penoso.

6 abr. 2009

El éxito de 'Mentiras y gordas'

Hace poco puse una entrada intentando averiguar cuál podía ser la clave del éxito de la última y genial película de Clint Eastwood, Gran Torino. Ahora, debido a la sorpresa que ha sido el bombazo en taquilla de Mentiras y gordas, dirigida por Alfonso Albacete y David Menkes (más conocidos simplemente por Albacete & Menkes, directores de paridas como Más que amor, frenesí o Atómica, o de la algo más decente que éstas Sobreviviré), me gustaría intentar dar con alguna clave que indique su éxito en la taquilla nacional.

Como imagino que seguirá habiendo más éxitos rotundos o sorprendentes durante los próximos meses, podría decirse que volveré a escribir algo con el título de "El éxito de...". Al igual que, posiblemente, pueda incluir entradas que sean del estilo de "El fracaso de..." (espero que la próxima Terminator: Salvation no sea incluida en este último tipo de entradas... cruzo los dedos)

Vamos pues con...


Posibles claves de su éxito...

1) Los cuerpos de los actores. Me refiero en este caso a los chicos. En la película aparecen yogurines del panorama cinematográfico (mejor dicho, televisivo) actual, y además, por lo visto, aparecen si no semidesnudos, sí desnudos, con lo cual, muchas hormonas que son capadas en cada emisión televisiva de la serie donde alguno de los protagonistas aparezcan, salen a relucir sin ningún pudor con el visionado de esta película. Algunos de los conocidos rostros y sus correspondientes series de TV que se ven son: Hugo Silva (Los hombres de Paco), Alejo Sauras (Los Serrano), Yon González (El internado), Mario Casas (Los hombres de Paco), Maxi Iglesias (Física o química)... [Nota: Llega a aparecer también Miguel Ángel Silvestre -el Duque- y no sé qué me da que el éxito habría sido aún mayor]

2) Los cuerpos de las actrices. Idem a la clave anterior, pero con féminas. Un servidor no ha visto la película, pero por lo que le han contado, las chicas se lucen menos que los chicos, lo cual no es óbice para que las hormonas anteriormente mencionadas salgan a flote también viendo la peli. Algunas de las actrices y sus series de TV son: Ana de Armas (El internado), Ana Polvorosa (Aída), Esmeralda Moya (Desaparecida), Aida Folch (Cuéntame -aunque también la pudimos ver en Los lunes al sol, de Fernando León de Aranoa)...

3) La temática de los jóvenes (público joven). Muchos jóvenes quizá hayan acudido a ver la película a las salas con intención de ver algo con lo que se puedan sentir identificados en sus formas de vivir. Discotecas, sexo, drogas, líos amorosos...

4) La temática de los jóvenes (público adulto). En los años noventa (concretamente en 1995) se estrenó Historias del Kronen de Montxo Armendariz. Antes del estreno de la película que nos ocupa, se comentaba que podría considerársela como la Historias del Kronen del siglo XXI. Con ello, gente que vio aquella película en su día (o con posterioridad) y le gustó, o al menos le llamó la atención, lógicamente ahora ya es más mayor y quizá pueda sentirse atraído por ver cómo puede contarse hoy en día una historia a priori similar.

5) La historia, el argumento de la película. Bueno, se comenta que realmente esta peli no tiene un argumento consistente, de hecho que ni lo tiene, por lo tanto aquellos que hayan ido a ver la película con la intención de ver una buena historia, pueden sentirse decepcionados... Repito que no he visto el filme pero es parte de las críticas que ha recibido (por lo general bastante demoledoras).

...

¿Se os ocurre alguna razón más por la que esta película está teniendo tanto éxito?

Trailer:



28 mar. 2009

B/N

- No me gustan las películas en blanco y negro

- ¿Una peli en blanco y negro? ¡Uf, no la veo ni de coña!

- Hace siglos que no veo una peli en blanco y negro...


Estas son algunas de las frases que cada vez que oigo, no le veo demasiado sentido. Y evidentemente las entiendo aún menos cuando las dice alguna persona que se jacta de decir que le gusta el cine... Está claro que esta frase debería puntualizarse diciendo cine actual.

Casablanca, Ciudadano Kane, Sed de mal, Con faldas y a lo loco, La fiera de mi niña, Historias de Filadelfia, La diligencia, ¿Quién mató a Liberty Valance?, Encadenados, Psicosis, La noche de los muertos vivientes, La costilla de Adán, La jungla de asfalto, El halcón maltés, Murieron con las botas puestas, La noche del cazador, Toro salvaje, Manhattan, La lista de Schindler...

¿Sigo?... Obras maestras indiscutibles que por el mero hecho de ser en blanco y negro, la gente se niega a ver. Nada, que no lo entiendo.

24 mar. 2009

La bola de dragón se acerca

En abril llegará a las pantallas Dragonball evolution, una cosa (sí, cosa, por lo que se ha podido ver hasta ahora no puede calificarse con otro nombre) basada en el manga original de Akira Toriyama (del mismo título pero sin la coletilla de evolution).

Aquí está su trailer para que os vayais haciendo una ligera idea:



No, ese no es el trailer, efectivamente... Ya podía serlo, ya... Pero lamentablemente no es así. El verdadero trailer es este (en castellano):



El vídeo anterior al trailer tiene mucho más nivel y es mucho más fiel a la serie habiéndolo hecho con cuatro duros, que lo realizado por el director James Wong (responsable de Destino final 1 y 3) para la Fox. Este Dragonball evolution no pinta nada, nada, pero que nada bien...

La película ha sido estrenada ya en Asia, donde casi seguro iba a ser un gran éxito, y así ha sido: un verdadero bombazo. No sé qué me da que por estos lares y en Occidente en general no tendrá la misma suerte... Creo que se nota que me da muy mal rollo esta producción. Claro, de pequeño vi toda la serie de dibujos animados y que me gustaba lo suficiente como para llevarme ahora las manos a la cabeza con esto (venga va, lo reconozco: toda no, dejé de verla en el momento en el que las peleas se convirtieron en interminables durando más de tres o cuatro meses... Creo que fue con aquel monstruo de chicle... ¿Boo, no? El resto de la serie lo vi entero).

Si lo deseas, puedes leer aquí una precrítica por cortesía de Cinempatía (gracias a los cuales vemos estos vídeos y las imágenes)

En fin. A continuación dejo algunas imágenes de los personajes de la película...

Foto de grupo



Goku



Bulma





Maestro Roshi



Dragón



Póster



El abuelo de Goku



Fullum (criaturas creadas por Piccolo -por aquí lo conocemos como Satan Txiki/Pequeño Satán- para recuperar las bolas de dragón... Como se puede comprobar, es muy fiel a la serie de dibujos... MUY fiel)



Estaría bien que nos equivoquemos todos y al final sea algo entretenido... Pero me da que no, es una pequeña corazonada.

Director: James Wong
Guionistas: Ben Ramsey, Akira Toriyama
Intérpretes: Justin Chatwin (Goku), Chow Yun-Fat (Maestro Roshi), Emmy Rossum (Bulma), James Marsters (Piccolo), Joon Park (Yamcha), Eriko Tamura (Mai), Jamie Chung (Chi Chi)...
Fecha de estreno prevista en España: 8 de abril


Más información y ficha en IMDB

17 mar. 2009

El éxito de Gran Torino

Gran Torino, la última joya de Clint Eastwood, se estrenó el pasado 6 de marzo. El mismo día de estreno que los esperadísimos Watchmen de Zack Snyder. Según tengo entendido, la distribuidora, o la productora, o vaya usted a saber quién de Gran Torino, pensó que el hecho de hacer coincidir ambos estrenos era mala señal, que Eastwood sería barrido por los superhéroes...

Finalmente decidieron estrenarla en la fecha prevista.

Primer fin de semana de exhibición en salas: Gran Torino obtiene 2 millones de euros frente a los 1'5 millones de Watchmen. Por tanto, el gran Clint Eastwood arrasa y se coloca en el primer puesto de la taquilla nacional. Un éxito inesperado, al menos por aquí, ya que ya venía siendo en los Estados Unidos de América el mayor éxito de toda la carrera del oscarizado director. Y estos datos lo confirman aún más.

¿Por qué un drama con aire intimista supera a una película que tantos aficionados al cómic y cinéfilos de todo el mundo esperaban desde hace años? La verdad es que no tengo ni idea... Aunque podemos pensar en alguna que otra razón:

1) Clint Eastwood anunció que sería su última aparición como actor. La gente quiere ver ese gran momento, y si además antes de ser estrenada la película, ya se oía y se leía que era una gran interpretación, con más razón.

2) De nuevo en relación con lo que se venía rumoreando tras su estreno en EEUU, el hecho de que se diga que, aún reciente su última película El intercambio (nominación al Oscar para Angelina Jolie, entre alguna otra), este hombre es capaz de rodar dos películas casi seguidas siendo las dos geniales, puede llamar la atención del público. Recordemos que con Banderas de nuestros padres y Cartas desde Iwo Jima hizo algo parecido, rodar dos películas por año. Un octogenario nada más y nada menos, ahí queda eso.

3) El público puede pensar que a Clint Eastwood le quedan dos telediarios (¡¡esperomos que no!!) y el hecho de que tenga tantas grandes películas a sus espaldas, tanto como director como actor, puede ser otra razón para atraer gente a las salas. (Es decir, algo así como para contar a los nietecitos eso de "yo vi la última peli de Clint Eastwood en el cine")

4) Todos los profesores de clase de ética de todos los colegios del mundo se han puesto de acuerdo para recomendar a sus alumnos y a sus familias que vean esta película. En ella se muestra un choque de culturas importante y el aprendizaje que alguien en principio racista puede llevar a cabo para estrechar distancias y anular diferencias étnicas y culturales. Es, por tanto, una película que podría llevar la etiqueta de "recomendable para una clase de ética en el colegio/instituto", sin que ello suene de forma peyorativa, nada más lejos de mi intención.

5) Clint Eastwood es un clásico. Y punto. Y eso la gente lo sabe.

...

Clint Eastwood ha logrado, en mi opinión, una nueva obra maestra.

¿Se os ocurre alguna razón más que indique el porqué del éxito de la película?

Aquí su trailer:


4 mar. 2009

The Return of the (Trash) King

'In the Name of the King: a Dungeon Siege Tale'
('En el nombre del rey')



AÑO: 2007
DURACIÓN: 127 min.
DIRECTOR: Uwe Boll
GUIÓN: Doug Taylor, Jason Rappaport, Dan Stroncak, Doug Taylor
BANDA SONORA: Jessica de Rooij, Henning Lohner
FOTOGRAFÍA: Mathias Neumann
MONTAJE: Paul Klassen, David M. Richardson
PRINCIPALES INTÉRPRETES: Jason Statham, Burt Reynolds, Ray Liotta, Leelee Sobieski, Claire Forlani, Matthew Lillard, John Rhys-Davies, Will Sanderson, Ron Perlman, Brian J. White, Kristanna Loken





Tres años después del estreno de Alone in the Dark Uwe Boll vuelve a nuestras carteleras. Por el medio salió Bloodrayne, pero directa a DVD para desgracia del artista. Ahora, gracias a la sabiduría y buen juicio de nuestras distribuidoras, podemos ver a Jason Statham matando ¿orcos? en la pantalla grande. Fue larga la espera. La película estaba prácticamente acabada en 2005, pero hasta 2007 no encontró distribuidor en ningún país. El porqué, en unos pocos párrafos.

Empezar con el protagonista recogiendo nabos y espantando cuervos con un bumerán es una gran declaración de intenciones.La trilogía de Peter Jackson hizo aflorar el género de espada y brujería con gran fuerza, y Boll no dudó en subirse al carro. Pero claro, el hombre se dedica a adaptar videojuegos, así que había que conseguir alguna licencia que valiese para adentrarse en este mundo, y se decantó por “Dungeon Siege”, un juego de rol que, como casi todos, se ambienta en un mundo estilo Dragones & Mazmorras. De todos modos no es más que una excusa, ya que ni siquiera el nombre aparece claramente en el título de la película, algo que sí hacen sus demás obras (Alone in the Dark, House of the Dead). De esta forma comenzó el intento de Uwe Boll por convertirse en el nuevo amo y señor del cine épico fantástico. Logró serlo, pero del cine soporífero y cutresalchichero.

Las barbaridades y estupideces se pasean por pantalla como en un desfile de moda. Tan pronto sale una, entra otra. Por sí sola la primera escena, entre Ray Liotta y Leelee Sobieski, de pocos segundos, ya resume los diálogos risibles que poblarán toda la peli. Comprobadlo vosotros mismos:

Leelee – Sabía que vendrías.
Ray – Pero si te lo había dicho.
Leelee – Sí, pero lo sabía antes de que llegaras. (¿?)
Ray – Veo que tus poderes están mejorando. (¿¿??)

Evidentemente, no es el único diálogo incoherente que nos presenta, pero sí es probable que sea el más estúpido. Buena carta de presentación. Claro está, no podían faltar las profundas frases made in Uwe Boll para compensar las hostias del resto del metraje. “La sabiduría es nuestro martillo” es un buen ejemplo de ello, pero también hay unas cuantas más que tienen su mérito.


La sensación de caspa impregna todas las escenas de la película, incluyendo la presencia de la mayoría de los conocidos pero depauperados actores.Ya que he nombrado a Liotta y Sobieski, será mejor hablar de todo el reparto. Al frente nos encontramos a Jason Statham, que, como es habitual en sus papeles, tiene como principal función repartir a diestro y siniestro. Uwe Boll le ha regalado un personaje ciertamente antológico. Un granjero llamado Granjero, según él porque “uno se convierte en aquello que realiza”, y como él planta nabos (tal cual), pues así se llama, pero con apellido, no se vayan a pensar que no tiene familia. Según parece, desde niño le aplicaron el método Polgar, porque sino no nos podemos explicar semejante estupidez. Dejando de lado su nombre, nos presentan a un hombre de campo que siempre porta un machete y un bumerán encima, el cual tan pronto golpea a la gente como se clava en los árboles. Nos demuestra lo útil que resulta para espantar cuervos mientras recoges nabos, así que es probable que dentro de poco vean a los espantapájaros quemándose en la hoguera de San Juan y a los granjeros con un bumerán último modelo.

El susodicho granjero Granjero ve cómo su hijo es asesinado al poco de comenzar la película, y decide vengarlo y rescatar a su esposa, matando como si su verdadero nombre fuera Exterminador. Con tan deslumbrante trama no sé por qué no escogieron a Steven Seagal para el papel, así que nos tenemos que conformar con un Statham que lo resuelve decentemente teniendo en cuenta todo lo que acabo de contar, y más cosas que me dejaré en el tintero.

Ray Liotta interpreta al villano de la historia, el mago Gallian, el cual lidera un ejército de monstruos, los krugs, un vergonzoso y paupérrimo cruce entre los gamorreanos de Star Wars y los orcos de The Lord of the Rings. Bueno, al menos eso es lo que parece, porque el movimiento de la cámara apenas nos permite distinguirlos (esta técnica ya fue aprendida por Boll en Alone in the Dark). Estos monstruos se dedican a asaltar y secuestrar gente para esclavizarlos, con el objetivo de cavar en una mina. Para qué, eso ya es pedir demasiado. Vemos que cavan encadenados, y punto. Quizás sean simples trabajos forzados y Gallian pretenda ser alcaide, y esta teoría es tan válida como cualquier otra porque tampoco tenemos pistas sobre sus intenciones. Es el malo, así que hace el mal. Nada más.

El rey está interpretado por el depauperado Burt Reynolds, que hoy en día ya sale en basura semana sí, semana también. Tiene la suerte de no tener demasiados momentos vergonzosos, exceptuando una supuesta escena dramática con Granjero. Duelo entre actores del método, sin duda. De ahí salió la frase “La sabiduría es nuestro martillo”, así que imaginaos el resto. Su uniforme de batalla merece ser destacado, porque nunca había visto un casco tan ridículo, el cual luce aún peor en la estirada cara de este actor.


Nadie sabe qué son estos enemigos, sólo que Gallian los controla a todos simultáneamente, encarnando a lo que en el juego llamamos John Rhys-Davies encarna al mago-médico de la corte, y sale relativamente bien parado entre tanto despropósito. En bastantes ocasiones con cara de no saber cómo demonios acabó ahí, pero sin hacer el ridículo. Sobieski se encarga de dar vida a su hija, de la cual sabemos que tiene poderes mágicos y que se acostaba con Gallian, según ella, “porque creía amarlo”. No sabemos los motivos de ella, ni qué clase de relación tenían, ni cuanto tiempo llevaban... y no busquéis más sobre esto, porque no hay. Cuando se pone la armadura se podía haber puesto perfectamente un disfraz de florero, que habría sido más realista.

También encontramos por ahí a Ron Perlman y Will Sanderson como amigos de Granjero. Por desgracia no se llaman Lechero y Ganadero. No destacan demasiado, exceptuando los primeros planos de Sanderson que parecen haber sido realizados para mofa de su ligero estrabismo. Su estúpida escena en el puente resume muy bien la importancia de estos personajes. Claire Forlani, por su parte, es la esposa de Granjero que es raptada por Gallian, y Kristanna Loken interpreta a una ¿elfa? del bosque que, en un alarde de originalidad, odia a los humanos porque se pelean entre ellos. Poco sale, y tampoco la echamos en falta.

Queda hablar del mejor elemento de todo el reparto, un actor que haría palidecer a la fusión de Marlon Brando, Dustin Hoffman y Sean Penn, el gran Matthew Lillard. Cuando este tipo sale en pantalla deberían avisar al espectador con un cartel luminoso, porque si estamos tomando el refresco es probable que los espectadores de delante se acuerden de nosotros y de nuestras madres. Sus continuos caretos y estúpidos gestos harán las delicias de unos y sacarán de quicio a otros. El tipo no es muy agraciado, pero le notamos que se esfuerza, y con su expresividad logra quedarse a sólo un paso de John Merrick en cuanto a atractivo físico. Al igual que Statham, tiene alguna escena de supuesta carga dramática con el rey (por algo es su sobrino), y el resultado ya lo podéis imaginar.

Los intérpretes han sido probablemente el mayor sumidero de fondos de la producción, pero no fueron el único. El diseño de producción es el mejor en la filmografía de Boll, pero claro, eso no es nada más que asumir la mejor derrota del buen gusto. Los decorados ya no son ocultados mediante una oscuridad permanente, sino que podemos disfrutar con su cutrez e inconsistencia. Cabañas impolutas y carros recién construidos pueblan el entorno del protagonista, un pueblo que se supone de gente pobre. El castillo del rey destaca por su penosa integración con las imágenes CGI, la cual es escasa por el simple hecho de que casi no hay decorados. Los fondos son más falsos que Judas, con una iluminación que no logra disimular lo más mínimo que se tratan de una pantalla de croma. El colmo son las supuestas lianas que emplea el pueblo de ¿elfas? del bosque, unas simples cuerdas con un par de hojas pegadas, un verdadero insulto al espectador. El vestuario sale algo mejor parado, logrando no despertar la vergüenza ajena en todo momento.


El personaje de Kristanna Loken es el más estúpido y sinsentido de todos, lo cual aumenta con esas cuerdas con hojas pegadas imitando lianas de los chinos.Otro de los puntos fuertes de la película es, como es normal, el estúpido guión. Parece que los personajes (además un número exagerado para una película de 2 horas) se idearon previamente a la propia historia, ya que entran y salen de ella continuamente sin que sepamos qué mueve a cada uno. El caos es total en ese sentido, y la evolución de los personajes un sinsentido o absolutamente nula. Realizar un resumen de la historia supondría crear un texto plagado de interrogaciones y suposiciones pilladas por los pelos, así que pasaré de ello. Tampoco merece la pena lo más mínimo, porque lo poco que se comprende sin problemas está plagado de clichés o copias de otras obras fantásticas. El aburrimiento se apoderará del espectador en poco tiempo debido a la incapacidad de comprender lo que estamos viendo. La solución, como es habitual en las obras de este genio, verla acompañado de amigos (alguna sustancia que nos haga compañía también puede ayudar) y bromeando sobre lo que la pantalla nos presenta.

Uwe Boll ha intentado disimularlo con un presupuesto mayor y un reparto con nombres conocidos, pero su incompetencia y mal gusto afloran continuamente, nada nuevo a estas alturas. Cada una de sus obras supone un fracaso económico mayor que la anterior, y sin embargo sus presupuestos son cada vez mayores gracias a las facilidades y subvenciones que proporciona el gobierno alemán al mundo del cine. En términos de calidad, supone un paso hacia delante en su carrera, pero vamos, avanzar un centímetro cuando estás al borde del precipicio no te libra con total seguridad de caer en él. Cuando menos ayudará a las escuelas de cine a prever la creación de nuevas aberraciones. Un simple visionado es suficiente para concienciar a las futuras generaciones. Palabra.

3 mar. 2009

Almodóvar roto.

Pedro Almodóvar vuelve. Un regreso siempre esperado por todos con ansias... Lo hace con Los abrazos rotos, una historia contada a dos tiempos, con Penélope Cruz y Lluis Homar (entre otros) del que hace poco se nos avanzó su teaser trailer, que puedes ver aquí.



Sin duda se aprecia perfectamente el toque del manchego, acompañado por la música de Alberto Iglesias. A partir del 18 de marzo podremos ver qué nueva propuesta nos ha traído el doblemente oscarizado director (Oscar a la mejor película de habla no inglesa por Todo sobre mi madre y Oscar al mejor guión original por Hable con ella).

De regalo podemos ver a continuación un cortometraje de Almodóvar realizado entre toma y toma de Los abrazos rotos, titulado La concejala antropófaga. Incorrecto y corrosivo donde los haya, como bien dice Diego Galán (crítico de cine y que ocupó el cargo de director Festival de Cine de San Sebastián durante trece años y un día) quien entrevista a Almodóvar al respecto del corto como también se puede ver en el vídeo.

Poco diré sobre el mismo ya que creo que lo mejor es verlo, además en la entrevista hablan estupendamente sobre todo lo concerniente al cortometraje, así que con todos vosotros... La concejala antropófaga (un corto de Almodóvar). Espero que lo disfruteis.



[Nota: Lo de los trece años y un día de Diego Galán como director del Zinemaldi donostiarra es cierto. Narra ese tiempo con ese cargo en su estupendo y recomendable libro Jack Lemmon nunca cenó aquí]

27 feb. 2009

Rebobine, por favor


Después de [Rec]... REWIND

Impresionante y lúcida publicidad en México para Los cronocrímenes, de Nacho Vigalondo, buena película de género realizada con cuatro duros, con cuatro actores, y con cuatro (o más, o menos, no las he contado) ideas originales. Un tipo de cine difícil (de hacer, de distribuir, de recaudar) en nuestro país.

Una película con unos cuantos (muchos) adeptos y que tiene su remake estadounidense preparado, o al menos en ello están, del que no se sabe absolutamente nada. Por no saber, no lo debe de saber ni el propio Vigalondo (esto último no me lo termino de creer). A saber qué narices hacen con la momia rosa, ¡no me fío un pelo!

Un director nominado al Oscar por su genial corto (como casi todos los que hace) 7:35 de la mañana y ninguneado por la industria de su país. Parece que no se le tiene en cuenta, parece que no se le toma en serio, y es una verdadera pena. Considero que, si le dan cierto margen (queda demostrado con su película que no hace falta que sea demasiado) puede hacer algo decente, algo digno de exhibir y algo a considerar dentro del panorama español. Pero nada, no hay manera...

Su trailer:



Si no la has visto y la ves... no le des demasiadas vueltas, sería peor. Sólo las justas.

25 feb. 2009

Los cazafantasmas van al Infierno

Parece ser que hay muchos hilos moviéndose acerca de una nueva entrega de una de las sagas más taquilleras de los años 80: nada más y nada menos que ¡Los cazafantasmas! (tirutiro-riroooo, se supone que esto último es el tarareo de la famosísima cancioncilla de Ray Parker Jr. hecha para la película)

Aún hay muchas incógnitas al respecto pero en su momento se rumoreaba, vaya usted a saber si es verdad, que podría ser algo así como el título de este post: Los cazafantasmas van al Infierno. Un título horroroso donde los haya que puede hacer pensar que se trata de una serie de la tele. Por cierto, no olvidemos que sí que hicieron una simpática serie con los personajes, pero de dibujos animados. Bueno, el caso es que inicialmente, para la historia de la nueva entrega, pensaron en hacer que los cazafantasmas viajaran al Infierno, pero como piensan que en las dos partes anteriores el hecho de crear caos en la ciudad de Nueva York era parte del éxito, se les ha ocurrido otro tanto de lo mismo, imaginando una puerta dimensional en un almacén de la ciudad, llevando a una Nueva York completamente diferente y donde la gente no se entiende entre sí.

El guión se lo han encargado a Lee Eisenberg y Gene Stupnitsky, guionistas de la serie de TV The office y de la película, aún por estrenar, Year One, dirigida por Harold Ramis (guionista de Los Cazafantasmas y Los Cazafantasmas 2). La incógnita es saber quién la dirigirá, cosa que no estaría mal que hiciera Ivan Reitman, que se encargó de las dos anteriores.


Hace tiempo debieron de dar el "sí, quiero" Dan Aykroyd y Harold Ramis (en las noticias que he leído no decían nada sobre Ernie Hudson). Estaba en el aire el gran Bill Murray, que me parece que no estaba demasiado convencido, sobre todo debido al fiasco que supuso la segunda parte. Normal, es que aquella peli, aunque estuvo bien verles de nuevo en acción, dejaba mucho que desear, y fue una verdadera pena. Pone como condición que acepta el trabajo sólo si hay una buena historia. Crucemos los dedos para que así sea y no veamos una nueva birria. Ojalá aprovechen bien todos los efectos especiales que hay hoy en día para hacer algo espectacular pero sin dejar de lado toda la comicidad y el gancho de todos sus personajes...

Sin duda estaremos al tanto de todo este proyecto, sobre todo los que somos fans de los personajes.

Tiroriro-riroooo, ghostbusters!

TRAILERS





De regalo, el divertido y original videoclip de la famosa canción, con apariciones de Chevy Chase, John Candy, Danny DeVito, Peter Falk, Shelley Long (creo que es ella) y George Wendt (el Norm de Cheers), entre otros y otras que no reconozco:



Y además, la intro de la serie de dibujos animados:


21 feb. 2009

Recordemos a... Richard Farnsworth





Richard Farnsworth nació el 1 de septiembre de 1920 en Los Angeles, California, en una familia modesta. Su madre era ama de casa y su padre ingeniero, trabajo con el cual tuvo que sacar adelante a su hijo y sus otras dos hijas durante la Gran Depresión. Su muerte en 1927 hizo que Richard, sus dos hermanas y su madre fuesen a vivir con su tía. Los problemas económicos que vivían día sí y día también hicieron que abandonara los estudios en el instituto para encargarse de un establo de un campo de polo por 6 dólares a la semana. Con 17 años le ofrecieron ganar 7 dólares al día con una comida incluida trabajando de doble en The Adventures of Marco Polo, con Gary Cooper, y así el actor comenzó su andadura en el mundo del cine. Compaginándolo con su trabajo en los rodeos, se especializó como doble en papeles de jinete en películas como A Day at the Races de los hermanos Marx o Gunga Din. En los años 40 y 50 siguió con este trabajo en películas como Gone with the Wind, Red River, The Wild One, The Ten Commandments o Spartacus. En ésta pasó once meses de rodaje durante los cuales insistió en que nunca tuvo apariencia de gladiador, pero conducía un carro, algo que, como ser simplemente jinete, le encantaba. Un año después, en el 61, fue uno de los fundadores de la Stuntmen's Association (Asociación de dobles), y a lo largo de esta década fue consiguiendo papeles de más entidad.


Una de las fotos más antiguas de las que se dispone del actor.En 1963 logró su primera aparición en los créditos de una película con Jolly Genie. Tras ésta siguieron un buen número de papeles de hombre del Oeste americano, personajes que le sentaban como un guante al actor. Poco a poco sus trabajos fueron de más entidad e importancia, como en The Cowboys, The Life and Times of Judge Rory Bean, la francesa Un autre homme, une autre chance o la serie “Roots”. En el año 77 decidiría dejar de trabajar como doble para concentrarse en su carrera como actor. Su nombre comenzaría a hacerse importante tras el éxito de su trabajo en Comes a Horseman, de Alan J. Pakula, en 1978. En ella compartía cartel con Jane Fonda, Jason Robards y James Caan, y le reportó diversos premios como actor secundario, entre ellos los de la National Board of Review y la National Society of Film Critics. En los premios de la academia compitió con Jack Warden, John Hurt, Bruce Dern y Christopher Walken, perdiendo frente a este último por su trabajo en The Deer Hunter, pero su nominación sirvió para lanzar definitivamente la carrera de este actor de 58 años por aquel entonces.

Su rostro y expresión amigables e incluso infantiles lo convirtieron en un actor habitual en papeles secundarios de amigo o asesor, además de los ya comentados hombres del Oeste. A principios de los 80 trabajó con Steve McQueen y Linda Evans en Tom Horn, y con Ellen Burstyn y Sam Shepard en Resurrection, además de nuevos trabajos para televisión como The Texas Rangers o “Disneyland”. Finalmente lograría en 1982 el éxito en un papel protagonista con la película canadiense The Grey Fox, de Phillip Borsos. En ella interpretó a Bill Miner, un asaltados de diligencias que al salir de la cárcel tras 33 años se propone llevar una vida normal en Washington junto a su hermana, pero los cambios que han ocurrido en ese tiempo le hacen imposible volver a integrarse en la sociedad, así que decide volver a Canadá a hacer lo único que sabe, simplemente cambiando diligencias por trenes. La película supuso un gran éxito, ganando siete premios de la academia de cine canadiense, incluyendo uno al mejor actor extranjero para Farnsworth.


Cartel de 'The Grey Fox', su mayor éxito.


Farnsworth recogiendo el premio de la academia canadiense.A pesar del éxito cosechado por su trabajo en Canadá, en su país natal siguió relegado a papeles secundarios. Trabajó con Kathleen Quinlan y Dianne Wiest en Independence Day, y fue llamado por Barry Levinson para The Natural, antes de pegar el mayor resbalón de su carrera en el año 1984 interpretando al padre de Dolly Parton en Rhinestone, protagonizada por Sylvester Stallone. Las horrendas críticas recibidas por la película, tanto de la prensa especializada como del público, pronto la convirtieron en uno de los primeros triunfos en los Razzies de Stallone. Un año después Farnsworth consiguió otro papel protagonista en el western de ciencia ficción Space Rage, en la cual debía ayudar a Michael Paré a huir de la cárcel. De nuevo no tuvo apoyo de crítica o público. Estos dos fracasos seguidos lo volvieron a relegar a papeles totalmente secundarios. Trabajó a las órdenes de John Landis en Into the Night en 1985, junto a los entonces emergentes Michelle Pfeiffer y Jeff Goldblum, y con Sylvester, en la cual un joven entrenaba un caballo para convertirse en campeón olímpico de hípica, volvió a trabajar en el campo que más le apasionaba. Canadá le reportó otro importante éxito con la producción televisiva Anne of the Green Gables, donde interpretaba al padre adoptivo de Ana, que le dio nueva popularidad y un premio Gemini. Poco después fallecía su esposa Margaret Hill, con la cual llevaba casado 36 años y había tenido dos hijos, Diamond y Missy. Su ritmo de trabajo comenzó a bajar desde entonces. Trabajos en la televisión como “Highway to Heaven” o Desperado: the Outlaw Wars, en la cual interpretó por enésima vez a un sheriff, se alternaron con escasos papeles en el cine, como la producción familiar Good Old Boy: a Delta Boyhood. Jack Nicholson lo llamó en 1990 para interpretar al sospechoso prospector Earl Rawley en su continuación de Chinatown, The Two Jakes. Ese año también encarnó al desconfiado sheriff Buster en Misery, la película de Rob Reiner basada en la obra homónima de Stephen King, donde compartía cartel con Kathy Bates y de nuevo con James Caan, y se puso en la piel de un profesor en Havana, de Sydney Pollack. Desde entonces sus escasas actuaciones comenzarían a verse sustituidas por homenajes y reconocimientos. En el año 92 recibió su estrella en el paseo de la fama de Hollywood, y en el 97 fue incluido en el salón de la fama de intérpretes de western de Oklahoma. Su trabajo en Lassie, junto a Frederic Forrest y Michelle Williams, fue lo más destacado que hizo hasta finales de los 90, mientras lidiaba con el cáncer de próstata que le habían diagnosticado a principios de la década.

El actor en 'Misery', uno de sus últimos trabajos.En 1999 David Lynch se puso en contacto con él para que interpretase al anciano Alvin Straight en The Straight Story. En director le pidió que participase, según sus propias palabras, “en la sencilla pero emotiva” película. Farnsworth no sabía de qué director le hablaban cuando se lo comentaron, así que su agente, sabiendo que el actor odiaba la violencia y las pelis oscuras, se lo referenció únicamente como el realizador de The Elephant Man. Por suerte, al veterano intérprete le había gustado esta película, así que decidió aceptar el papel. De este modo Farnsworth, con 79 años, consiguió su papel más celebrado, en el cual interpreta a un anciano que decide realizar un viaje con una cortadora de césped para visitar a su hermano enfermo. Sissy Spacek y Harry Dean Stanton rodaron a su lado sin saber la grave enfermedad que se le acababa de diagnosticar al actor, un cáncer óseo terminal. Aunque lo ocultó todo lo que pudo durante el rodaje, sus achaques y dolores comenzaron a hacerse evidentes y cada vez más intensos. Pese a ello, logró terminar la película, y se estrenó mundialmente en el festival de Cannes. Su éxito fue instantáneo, con un tono muy alejado del habitual en este director. La interpretación de Farnsworth fue lo más celebrado del film, y pronto comenzó a volver a cosechar premios. El círculo de críticos de Nueva York le otorgó el premio al mejor actor, igual que los Independent Spirit, y su segunda candidatura al Oscar le proporcionó un récord al convertirse en el actor de mayor edad candidato en la categoría principal. Kevin Spacey se llevó la estatuilla por American Beauty, pero Farnsworth logró una popularidad y un prestigio de los que nunca había gozado. Poco después tuvo una entrevista con Roger Ebert, el cual le había preguntado de qué se encontraba más orgulloso en toda su carrera, y él respondió que de no haber dicho un solo taco en más de 60 actuaciones que había realizado. A pesar de su excelente etapa profesional, con proyectos futuros como la hoy aún inconclusa Gompy, el cáncer destrozaba cada vez más su vida. Unos meses después, mientras Jewly Van Valin, su prometida desde hacía unos pocos años, no se encontraba en casa, el actor se suicidó de un disparo de escopeta.

Richard Farnsworth, el eterno vaquero amigable de profundos ojos azules, murió por suicidio en su rancho en Lincoln, Nuevo Mexico, el 6 de octubre de 2000, y fue enterrado en el cementerio de Hollywood Hills, en Los Angeles, junto a su esposa Margaret. Tenía 80 años.





Richard Farnsworth será siempre recordado por su magistral trabajo como Alvin Straight.


Fuentes: Wikipedia, IMDB, TickledOrange, Yahoo Movies.